Са́ндро Боттиче́лли (итал. Sandro Botticelli, настоящее имя Алесса́ндро ди Мариа́но ди Ва́нни Филипе́пи (итал. Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi; 1 марта 1445 — 17 мая 1510) — великий итальянский живописец эпохи Возрождения, представитель флорентийской школы живописи.

Боттичелли родился в семье кожевника Мариано ди Джованни Филипепи и его жены Смеральды в квартале Санта-Мария Новелла во Флоренции. Прозвище «Боттичелли» (бочонок) перешло к нему от старшего брата Джованни, который был толстяком.

Обучение мастерству (1445—1467)

Боттичелли пришел к живописи не сразу: сначала он два года был учеником у золотых дел мастера Антонио (существует версия, что свою фамилию юноша получил от него). В 1462 году он начал учиться живописи у Фра Филиппо Липпи, в мастерской которого пробыл пять лет. В связи с отъездом Липпи в Сполето он перешёл в мастерскую Андреа Верроккьо.

Первые самостоятельные произведения Боттичелли — несколько изображений Мадонн — по манере исполнения демонстрируют близость к работам Липпи и Мазаччо, наиболее известны: «Мадонна с Младенцем, двумя ангелами и юным Иоанном Крестителем» (1465—1470), «Мадонна с Младенцем и двумя ангелами» (1468—1470), «Мадонна в розовом саду» (около 1470), «Мадонна Евхаристии» (около 1470).

«Мадонна Евхаристии»

Ранние работы (1470—1480)

С 1470 года он имел собственную мастерскую недалеко от Церкви Всех святых. Картина «Аллегория Силы» (Fortitude), написанная в 1470 году, знаменует обретение Боттичелли собственного стиля. В 1470—1472 он пишет диптих об истории Юдифи: «Возвращение Юдифи» и «Нахождение тела Олоферна».

В 1472 году имя Боттичелли впервые упоминается в «Красной книге» компании святого Луки. Там же указывается, что у него работает ученик Филиппино Липпи.

На празднике в честь святого 20 января 1474 года картина «Святой Себастьян» с большой торжественностью была размещена на одном из столбов во флорентийской церкви Санта-Мария-Маджоре, чем объясняется её вытянутый формат.

Около 1475 года живописец написал для состоятельного горожанина Гаспаре дель Ламы прославленную картину «Поклонение волхвов», на которой помимо представителей семейства Медичи изобразил и самого себя. Вазари писал: «Поистине произведение это - величайшее чудо, и оно доведено до такого совершенства в колорите, рисунке и композиции, что каждый художник и поныне ему изумляется.»

«Поклонение волхвов» (около 1475)

В это время Боттичелли становится известным и как портретист. Наиболее значительны «Портрет неизвестного с медалью Козимо Медичи» (1474—1475), а также портреты Джулиано Медичи и флорентийских дам.

В 1476 году умирает Симонетта Веспуччи, по версии ряда исследователей, тайная любовь и модель целого ряда картин Боттичелли, который никогда не был женат.

«Портрет неизвестного с медалью Козимо Медичи Старшего»

Джулиано Медичи

Портрет молодой женщины

Пребывание в Риме (1481—1482)

Быстро распространявшаяся слава Боттичелли вышла за пределы Флоренции. С конца 1470-х годов художник получает многочисленные заказы. «И тогда он завоевал себе … во Флоренции и за её пределами такую славу, что папа Сикст IV, построивший капеллу в своём римском дворце и пожелавший расписать её, распорядился поставить его во главе работы».

В 1481 году папа Сикст IV призвал Боттичелли в Рим. Вместе с Гирландайо, Росселли и Перуджино Боттичелли украсил фресками стены папской капеллы в Ватикане, которая известна как Сикстинская капелла. После того как в 1508—1512 годах потолок и алтарную стену при Юлии II распишет Микеланджело, она обретёт всемирную славу.

Боттичелли создал для капеллы три фрески: «Наказание Корея, Дафна и Авирона», «Искушение Христа» и «Призвание Моисея», а также 11 папских портретов.

«Искушение Христа»

«Призвание Моисея»

Светские произведения 1480-х годов

Боттичелли посещал Платоновскую академию Лоренцо Великолепного, где встречался с Фичино, Пико и Полициано, тем самым подпав под влияние неоплатонизма, что нашло отражение в его картинах светской тематики.

Самое известное и самое загадочное произведение Боттичелли — «Весна» (Primavera) (1482). Картина вместе с «Палладой и кентавром» (1482-1483) Боттичелли и «Мадонной с Младенцем» неизвестного автора предназначалась для украшения флорентийского дворца Лоренцо ди Пьерфранческо, представителя семейства Медичи. На создание полотна живописца вдохновил, в частности, фрагмент из поэмы Лукреция «О природе вещей»:

Вот и Весна, и Венера идёт, и Венеры крылатый

Вестник грядёт впереди, и, Зефиру вослед, перед ними

Шествует Флора-мать и, цветы на путь рассыпая,

Красками всё наполняет и запахом сладким…

Ветры, богиня, бегут пред тобою; с твоим приближеньем

Тучи уходят с небес, земля-искусница пышный

Стелет цветочный ковёр, улыбаются волны морские,

И небосвода лазурь сияет разлившимся светом.

Аллегоричность «Весны» вызывает многочисленные дискуссии относительно интерпретации картины.

В 1483 году флорентийский купец Антонио Пуччи заказал Боттичелли четыре картины вытянутого формата со сценами любовной истории из «Декамерона» Боккаччо о Настаджио дельи Онести.

«История Настаджио дельи Онести» из «Декамерона» Боккаччо. 2-й эпизод

Новелла о Настаджо дельи Онести, банкет в сосновом лесу.

Новелла о Настаджо дельи Онести

Теме любви посвящена картина «Венера и Марс» (около 1485).

«Венера и Марс»

Также около 1485 года Боттичелли создаёт прославленное полотно «Рождение Венеры». «…Что отличает творчество Сандро Боттичелли от манеры его современников — мастеров кватроченто, да, впрочем, и живописцев всех времён и народов? Это особая певучесть линии в каждой из его картин, необычайное чувство ритма, выраженное в тончайших нюансах и в прекрасной гармонии его «Весны» и «Рождения Венеры». Колорит Боттичелли музыкален, в нём всегда ясен лейтмотив произведения. Мало у кого в мировой живописи так звучит пластика линии, движения и взволнованного, глубоко лирического, далекого от мифологического или иных схем сюжета. Художник сам режиссёр и композитор своих творений. Он не пользуется ходульными канонами, потому его картины так волнуют современного зрителя своей поэзией и первичностью мировидения.»

«Рождение Венеры»

В 1480-1490 годах Боттичелли выполняет серию иллюстраций пером к «Божественной комедии» Данте. «Рисовал Сандро исключительно хорошо и так много, что ещё долго после его смерти каждый художник старался заполучить его рисунки»

Данте Алигьери

Религиозные картины 1480-х годов

«Поклонение волхвов» (1478—1482), «Мадонна с Младенцем на троне» (алтарь Барди) (1484), «Благовещение» (1485) — религиозные работы Боттичелли этого времени являются высшими творческими достижениями живописца.

«Мадонна с Младенцем на троне»

Поклонение волхвов

Благовещение

В начале 1480-х годов Боттичелли создал «Мадонну Магнификат» (1481—1485), картину, прославленную уже при жизни художника, о чём свидетельствуют многочисленные копии. Она является одним из тондо Боттичелли. Подобные картины в форме круга были очень популярны во Флоренции XV века. Фоном картины является пейзаж, как и в «Мадонне с книгой» (1480—1481), «Мадонне с Младенцем, шестью ангелами и Иоанном Крестителем» (около 1485), «Мадонне с Младенцем и пятью ангелами» (1485—1490).

«Мадонна Магнификат»

Мадонна с младенцем, шестью ангелами и Иоанном Крестителем

В 1483 году вместе с Перуджино, Гирландайо и Филиппино Липпи он расписывает фрески на вилле Лоренцо Великолепного близ Вольтерры.

Около 1487 года Боттичелли пишет «Мадонну с гранатом». Мадонна держит в руке гранат, являющийся христианским символом (в руке у Сикстинской Мадонны Рафаэля первоначально вместо книги тоже был гранат).

Поздние работы (1490—1497)

В 1490 году во Флоренции появляется доминиканский монах Джироламо Савонарола, в проповедях которого звучал призыв к покаянию и отказу от грешной жизни. Боттичелли был заворожён этими проповедями, и даже, согласно легенде, наблюдал, как жгут его картины на костре тщеславия. С этих пор стиль Боттичелли резко изменяется, он становится аскетичным, гамма красок теперь сдержанная, с преобладанием тёмных тонов.

Новый подход художника к созданию произведений хорошо виден в «Короновании Марии» (1488—1490), «Оплакивании Христа» (1490) и ряде изображений Мадонны с Младенцем. Портреты, созданные художником в это время, например, портрет Данте (около 1495), лишены пейзажных или интерьерных фонов.

Особенно заметны изменения стиля при сравнении «Юдифи, покидающей палатку Олоферна» (1485—1490) с созданной приблизительно за двадцать пять лет до этого картиной на тот же сюжет.

В 1491 году Боттичелли участвует в работе комиссии по рассмотрению проектов фасада собора Санта-Мария-дель-Фьоре.

Единственной поздней картиной на светскую тему явилась «Клевета Апеллеса» (около 1495).

«Юдифь, покидающая палатку Олоферна»

«Клевета»

Царь-судья Мидас как аллегория Глупости в окружении похожих друг на друга Подозрения и Невежества

Клевета, тянущая за волосы Невинность, в сопровождении своих спутниц — Коварства и Лжи

Истина, олицетворяющая своей наготой чистоту, и Раскаяние, которая своим вопрошающим и злобным взглядом скорее есть Зависть

Последние работы (1498—1510)

В 1498 году Савонарола был схвачен, обвинён в ереси и приговорён к смерти. Эти события глубоко потрясли Боттичелли.

В 1500 году он создаёт «Мистическое Рождество», единственное подписанное и датированное им произведение, где имеется сделанная по-гречески надпись: «Эту картину я, Алессандро, написал в конце 1500 года в неурядицах Италии в половине времени после времени, когда исполнится [сказанное в главе] одиннадцатой Иоанна, о втором горе Апокалипсиса, в то время, когда дьявол на три с половиной года был выпущен. Затем он был закован в кандалы в соответствии с двенадцатой, и мы увидим его [попранным на земле], как на этой картине».

Среди последних немногочисленных работ художника этого периода - сцены из историй римлянок Виргинии и Лукреции, а также сцены из жизни Св. Зиновия.

«Мистическое Рождество»

Крещение св. Зиновия и его назначение на пост епископа

Сцены из жизни святого Зиновия

Сцены из жизни святого Зиновия

Три чуда Святого Зиновия

Сцены из жизни святого Зиновия

В 1504 году живописец участвует в работе комиссии художников, которая должна была выбрать место для установки «Давида» Микеланджело.

Боттичелли «отошёл от работы и в конце концов постарел и обеднел настолько, что, если бы о нём не вспомнил, когда ещё был жив, Лоренцо деи Медичи, для которого он, не говоря о многих других вещах, много работал в малой больнице в Вольтерре, а за ним и друзья его, и многие состоятельные люди, поклонники его таланта, он мог бы умереть с голоду.»17 мая 1510 года, на 66-м году жизни, Сандро Боттичелли скончался. Живописец был похоронен на кладбище церкви Всех Святых во Флоренции.

Пять столетий имя Рафаэля окружено ореолом восхищения и поклонения. Современники, высоко ценившие его талант, назвали художника «божественный Рафаэль». И это не было преувеличением. Как никто другой из живописцев он умел убедить в правдивости своих образов и в то же время зародить в душе стремление к прекрасному.

Рафаэль прожил ровно 37 лет. Родился в страстную пятницу 6 апреля 1483 года, умер 6 апреля 1520 года тоже в страстную пятницу. Рафаэль родился в маленьком итальянском городке Урбино у Джованни и Маджии Санти. Его отец был «художник посредственный, но человек здравомыслящий», а кроме того еще и поэт, писавший стихотворные хроники. Отец сделался учителем сына. И все было хорошо в их доме, пока не умерла Маджия. Только 8 лет исполнилось тогда Рафаэлю, а через три года он потерял и отца. Мастерскую Джованни Санти, как уже говорилось, украшала фреска, написанная на стене им самим: красавица мать (мадонна) с малышом на коленях и книгой в руке. Рафаэлло считал эту фреску изображением Маджии и иногда проводил около стены долгие часы. Время отрочества Рафаэля совпало с началом эпохи Возрождения.

В отличие от Леонардо Рафаэль полностью принадлежал своему времени. В его произведениях нет ничего странного, таинственного и загадочного. В них все ясно и прозрачно, все прекрасно и совершенно. Он с наибольшей силой воплотил положительный идеал прекрасного человека. В его творчестве царит жизнеутверждающее начало. Главной темой его творчества стала тема Мадонны, которая нашла у него непревзойденное, идеальное воплощение.

Ему еще не исполнится 19 лет, когда он напишет свой шедевр «Мадонну Конестабиле». В круге, точно вписанном в квадрат, Рафаэль изобразил молодую женщину, укрытую синим платком. Она держит в правой руке книгу, левой прижимает к себе маленького сына и они вместе – голенький мальчик и его мама – смотрят в книгу. »Здесь Рафаэль выступает как мастер раннего Возрождения, как рассказчик, который боится упустить малейшую деталь повествования». Юность художника и робость стиля, еле приметная неуверенность в себе и все приметы приближающейся зрелости придают этой первой из рафаэлевских Мадонн совершенно особое очарование, немного зыбкое, кажется, готовое исчезнуть, раствориться в глубокой дали, где едва зеленеют весенние поля и еще без листвы стоят деревья…

За эти полотном последовала целая серия вариаций на ту же тему - «Мадонна со щегленком», «Прекрасная садовница», «Мадонна среди зелени», «Мадонна с безбородым Иосифом», «Мадонна под балдахином». А. Бенуа определил эти вариации как «чарующие живописные сонеты». Все они возвышают и идеализируют человека, воспевают красоту, гармонию и изящество.
В 1504 году Рафаэль написал вслед за свои учителем Перуджино алтарный образ «Обручение Марии» – картину совершенно изумительной красоты, просветленной грусти и мудрости, которая особенно потрясает, если отчетливо представишь себе, что тайновидец и прозорливец, создавший «Обручение», - это юноша чуть за двадцать лет.
Тема покорности, полного предания себя во власть высшего начала, смирения перед ним, бывшая главной духовной темой Рафаэля, раскрытая полнее всего во многих и многих образах его Мадонн, звучит здесь поразительно ясно. Мария, стоящая перед первосвященником, протянув руку Иосифу, благочестивый Иосиф, седобородый первосвященник-патриарх написаны юношей Рафаэлем с такой глубиной и мастерством, похожим, собственно, больше на знание, чем на мастерство, которые не объяснить только художественной гениальностью, - за этим безусловно стоит человеческий (личный) опыт, и загадку его нам едва ли удастся когда-нибудь разгадать до конца…

Вот последующие этапы творческого пути Рафаэля: его пребывание во Флоренции (1504-1508 г.г.) – время пристального изучения работ Леонардо да Винчи, анатомии, перспективы, время усиленного самовоспитания, в котором натура гениальная остро нуждается на пороге окончательной зрелости. Затем – работа над «станцами» (росписями парадных зал) Ватиканского дворца в Риме, куда Рафаэль отправился по приглашению папы Юлия ІІ (с осени 1508 года до середины 1510г.); там Рафаэлю впервые понастоящему открылась античность, и он, будучи уже знаменитым мастером, увлекся ею с энтузиазмом неофита. Она пробудила в нем скрытый до той поры талант ваятеля и талант зодчего. Наконец, последний, тоже римский, период, венцом которого стал рафаэлевский шедевр – «Сикстинская Мадонна» (1515-1519 г.г.), наверное, самая знаменитая картина во всей мировой живописи. Мадонна изображена легко парящей на облаках. Держа в руках своего младенца, она спускается на землю к людям, и движение ее, едва уловимое, передано Рафаэлем с исключительным мастерством. Слева от зрителя – папа Сикст покровитель монастыря, охваченный благоговением и восторгом при виде мадонны, справа – святая Варвара, которая считалась покровительницей города Пьяченцы. Спокойно сидящий на руках у мадонны младенец полон недетской серьезности, взгляд пристальный и внимательный.
В картине царит мера. Уравновешенность и гармония. Ее отличают плавные и закругленные линии, мягкий и мелодичный рисунок, богатство и сочность колорита. Сама Мадонна излучает энергию и движение. Этим произведением Рафаэль создал самый возвышенный и поэтический образ Мадонны в искусстве Ренессанса.

Рафаэль считается художником женственной и небесной стихии, которому «звуков небес заменить не могли… скучные песни земли». И это верно до известной степени. Только неправильно было бы думать, что причина этому – его незнание или непонимание жизни и людей. Лучшее доказательство этому – его портреты. Этот художник Мадонн был блистательным портретистом, причем в эпоху, когда, «скульптурный или живописный портрет говорил людям больше, чем самая лучшая биография». Свое понимание людей Рафаэль, прежде всего, обнаружил своим «Автопортретом» 1506 года: прекрасное лицо написано вполоборота, в огромных глазах – бесконечная печаль, даже и отрешенность, но не обманитесь: взгляд этих глаз зорок – от него не ускользнет ничто из того, что он только удостоит заметить.

Рафаэль исполнил много портретов, мужских и женских. Назовем еще два из них: «Портрет Аньоло Дони» - молодого человека, складом характера совершенно противоположного самому Рафаэлю: властного, трезвого, возможно, жесткого, и знаменитый портрет «Папы Льва Х с двумя кардиналами» – этот папа римский был почитателем и покровителем Рафаэля в последние годы его жизни. Но художник не польстил ему: пухлое лицо, настороженный взгляд, руки, выдававшие тайное беспокойство, воплощение строгой и нелицеприятной правды…

В 1508 году он приезжает в Рим, где вместе с известными художниками расписывает в Ватикане покои папы римского. Уже к тридцати годам Рафаэль становится знаменитостью, создает непревзойденные по монументальности, размаху, совершенству композиции и глубине содержания фрески, которые вошли в последствии в историю мирового искусства.
По эскизам великого художника создавали свои произведения архитекторы и скульпторы. В качестве архитектора с 1515 года Рафаэль руководил строительством собора св. Петра.

По мотивам открытых им древних росписей при археологических раскопках он создает замечательный декоративный ансамбль ватиканских лоджий. По эскизам художника в Брюсселе были вытканы огромные ковры, предназначенные для украшения Сикстинской капеллы.

В полном расцвете творческих сил умер выдающийся художник, признанный главой римской художественной школы. Похоронен он в римском пантеоне. Могилу украшает мраморная статуя мадонны с надписью «Здесь покоится тот Рафаэль, при жизни которого великая природа боялась быть побежденной, а после его смерти она боялась умереть».

Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто. Используйте форму, расположенную ниже

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

Размещено на http :// www . allbest . ru /

Частное учреждение образования

«ИНСТИТУТ СОВРЕМЕННЫХ ЗНАНИЙ ИМЕНИ А.М.ШИРОКОВА»

Кафедра культурологии

К урсовая работа

По дисциплине: Фундаментальная культурология

На тему: "Женская красота в живописи Ботичелли, Леонарда да Винчи, Рафаэля и Тициана: сравнительный анализ"

Студентка

Кузнецова Н.О.

Руководитель

Караулова Р.З.

ВВЕДЕНИЕ

ГЛАВА 1. ЭПОХА ВОЗРОЖДЕНИЯ

2.2 Описание работ

2.3 Сравнительный анализ

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

ЛИТЕРАТУРА

ВВЕДЕНИЕ

Это было время великих открытий и великих людей. Казалось, человечество, стряхнув оцепенение и стари средневековья, с радостью и удивлением заново открывало мир, в котором жило. Это время назовут эпохой Возрождения. После многовекового забвения люди вновь открыли для себя искусство и мудрость античного мира. Но главное открытие эпохи Возрождения - это сам человек. Человек велик и прекрасен. Он обладает безграничными творческими и духовными возможностями - когда человек творит, он подобен Всевышнему Творцу. Ведь Господь создавал этот мир, как художник создает свои творения. И пусть дела человека в то далекое от нас время не всегда были "великолепными" и продолжали звинеть мечи и лилась кровь на поле брани, но эпоху Возрождения часто сравнивали с прекрасной весной.

Искусство этой эпохи подарило всему человечеству много славных имен художников, скульпторов, архитекторов: Джотто и Брунеллески, Донателло и Пьеро делла Франческа, Ботичелли и Браманте, Микеланджело и Леонардо да Винчи, Тициан и Веронезе этих людей называют "титанами Возрождения". Именно по этому я взяла эту тему для осмысления. Как ранее выглядела женщина, что было идеалом, как прекрасную половину изображали художники, на сколько отличается женская красота от современной? В своей работе я постараюсь разобраться с этими вопросами. И провести анализ художников одной эпохи.

Эпоха Возрождения была прежде всего духовным явлением. Она стала поворотным пунктом в эволюции западной культуры и цивилизации. Она означала начало новой тенденции - тенденции от культуры к цивилизации.

Актуальность темы:

Мне кажется эта тема до сих пор актуальна, а также она очень интересна, уникальная и неподражаема. Актуальна в том, что всегда встает тот вопрос как должна выглядеть женщина ведь она была и останется прекрасным полом, красотой которая спасет мир. Интересна потому что эти картины дошли до нашего времени, и мы можем посмотреть и увидеть своими глазами то что изображалось ранее, это очень ценный для нас кусочек искусства. Уникальна она в том что картины эти единственные, бесценные, живые, такую красоту больше никто не создаст. А неподражаемая потому что аналогии этих прекрасных картин не будет, то что создали эти художники с любовью, останется на всегда в наших сердцах.

Возрождение высоко подняло представление о человеческом разуме, его способности познавать мир. Бурное развитие науки характерно для этого периода. Особое внимание в поисках идеала гуманисты обращали на историю человечества. Античная культура оказалась наиболее близкой их устремлениям. Многие из образованных людей той поры обнаруживали равнодушие к религии. И хотя художники писали картины главным образом на религиозные темы, они видели в религиозных образах поэтическое выражение накопленного веками жизненного опыта людей.

Определить трактование женской красоты. Увидеть идеал женщины того времени.

Рассмотреть женские образы на примере работ Леонардо да Винчи «Мадонна Литта», «Портрет Моны Лизы»; Сандро Боттичелли «Весна», «Рождение Венеры»; Рафаэля «Сикстинская Мадонна», «Мадонна Калестабиле»; Тициана «Венера с зеркалом», «Кающаяся Магдалина». Провести сравнительный анализ работ художников Возрождения.

Эпоха Возрождения была прежде всего итальянской. Поэтому не удивительно, что именно в Италии искусство в этот период достигло наивысшего подъема и расцвета, более всего расцвет художества. Ф. Энгельс писал об эпохе Возрождения: «Это был величайший прогрессивный переворот из всех пережитых до того времени человечеством, эпоха которая нуждалась в титанах и которая породила титанов силе мысли, страсти и характеру, по многосторонности и учености».

Итальянская живопись 15 века - преимущественно монументальная. Она выполнялась на стенах техникой фрески и по всему характеру была рассчитана на восприятие издали. Итальянские мастера умели придать своим образам общезначимый характер. Они отбрасывали мелочи и подробности и смотрели на мир глазами людей, умеющих видеть сущность человека в его жесте, телодвижении, осанке.

В своей работе я использовала следующие произведения: «Энциклопедический словарь юного художника» Н. И. Платонова, В. Д. Синюков (1983) в этой книге авторам хорошо и понятно удалось объяснить что из себя представляет эпоха Возрождения. Очень хорошие были примеры картин и художников. «Рафаэль» А. Б. Клиентов (2004) - в этой книге изложена вся биография великого художника с очень яркими красивыми иллюстрациями. Журнал «Смена» главный редактор М. И. Кизилов (август 1998) в названии заложена вся суть, как на смену одному приходит другое. И еще один важный источник которым я пользовалось больше всего это «Леонардо» перевод с итальянского Е. К. Архиповой(1986) в этой книге рассказывается не только про гениального художника, а еще про эпоху в которой он жил, описывается что происходило в то время.

ГЛАВА 1. ЭПОХА ВОЗРОЖДЕНИЯ

1.1 Определение эпохи возрождения

Возрождение или Ренесанс - ("заново рожденный") - эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки - начало XIV - последняя четверть XVI века и в некоторых случаях - первые десятилетия XVIIвека(например в Англии и особенно в Испании). Отличительная черта эпохи Возрождения -- светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» -- так и появился термин. В современном значении термин был введён в обиход французским историком XIX века Жюлем Мишле. В настоящее время термин Возрождение превратился в метафору культурного расцвета.

Новая культурная парадигма возникла вследствие кардинальных изменений общественных отношений в Европе.

Рост городов-республик привёл к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях: мастеровых и ремесленников, торговцев, банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой, во многом церковной культурой, и её аскетичный, смиренный дух. Это привело к появлению гуманизма -- общественно-философского движения, рассматривавшего человека, его личность, его свободу, его активную, созидающую деятельность как высшую ценность и критерий оценки общественных институтов..

В городах стали возникать светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви. Новое мировозрение обратилось к античности, видя в ней пример гуманистических, неаскетичных отношений. Изобретение в середине XV века книгопечатания сыграло огромную роль в распространении античного наследия и новых взглядов по всей Европе.

Искусство Возрождения, как и предшествующих эпох, ставило своей целью дать представление об устройстве мира, земного и небесного. Новым было то, что представления о божестве и небесных силах уже не трактуются как непостижимая пугающая тайна и, главное, это искусство проникнуто верой в человека, в силу его разума, творческих возможностей. .

Жизнь эпохи Возрождения была тесно связана с искусством. Оно составляло ее неотделимую часть не только как предмет созерцания, но как труд и творчество. Искусство как бы стремилось не только наполнить церкви и дворцы, но и найти себе место на городских площадях, перекрестка улиц, на фасадах домов и в интерьерах. Трудно было найти человека, равнодушного к искусству. Князья, купцы, ремесленники, духовенство, монахи были не редко людьми, сведущими в искусстве, заказчиками и покровителями художников..

Развитию искусства немало способствовало то, что в больших скопились быстро нажитые богатства. Но легкий успех не портил даже самых падких до славы и наживы художников, так как строгие основы цеховой организации художественного труда были еще сильны. Молодежь проходила обучение, работая в качестве подручного у зрелого мастера. Многие художники поэтому так хорошо знали ремесло искусства. Произведения искусства выполнялись бережно и любовно. Даже в тех случаях, когда на них не лежит отпечаток таланта или гения, нас неизменно восхищает добротное мастерство. .

Возрождение возникло в Италии, где первые его признаки были заметны ещё в XIII и XIV веках, но оно твёрдо установилось только с 20-х годов XV века. Во Франции, Германии и других странах это движение началось значительно позже. К концу XV века оно достигло своего наивысшего расцвета. В XVI веке назревает кризис идей Возрождения, следствием чего является возникновение маньеризма и барокко.

1.2 Периоды эпохи итальянского возрождения

Итальянское Возрождение делят на 5 этапов:

1-Проторенессанс (2-я половина XIII века -- XIV век)

2-Раннее Возрождение (1410/1425 года XV века -- конец XV века)

3-Высокое Возрождение (конец XV -- первые 20 лет XVI века)

4-Позднее Возрождение (середина XVI -- 90-е годы XVI века)

5-Северное Возрождение -- XVI век

Эпоха Возрождения имела огромное положительное значение в истории мировой культуры. В искусстве Возрождения воплотился идеал гармонического и свободного человеческого бытия, питавший его культуру.

1-Проторенессанс («первый» Renaissance -- «Возрождение») -- этап в истории итальянской культуры, предшествующий Ренессансу. Считается переходным от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения. Термин был впервые введен швейцарским историком Я. Буркхардтом.

В итальянской культуре XIII--XIV вв. на фоне ещё сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства -- будущего искусства Возрождения. Потому этот период его истории и назвали Проторенессансом. Аналогичного переходного периода не было ни в одной из европейских стран. В самой Италии проторенессансное искусство существовало только в Тоскане и Риме. В итальянской культуре переплетались черты старого и нового.

Второй период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с 1420 по 1500 года. В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием все сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства, как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях.

Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании, Возрождение наступает только в конце XV столетия, и его ранний период длится, приблизительно, до середины следующего века.

Третий период Возрождения -- время самого пышного развития его стиля -- принято называть «Высоким Возрождением». Он простирается в Италии приблизительно с 1500 по 1527 год. В это время центр влияния итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II -- человека честолюбивого, смелого и предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших художников Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художеству. При этом Папе и при его ближайших преемниках Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла: в нём строится множество монументальных зданий, создаются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античное изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство заменяют собой игривую красоту, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они, с большой находчивостью и живостью фантазии, свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для себя из античного греко-римского искусства..

Позднее Возрождение в Италии охватывает период с 1530-х по 1590--1620-е годы. Некоторые исследователи причисляют к Позднему Возрождению и 1630-е, но эта позиция вызывает споры среди искусствоведов и историков. Искусство и культура этого времени настолько разнообразны по своим проявлениям, что сводить их к одному знаменателю можно только с большой долей условности. Например, Британская энциклопедия пишет, что «Возрождение как целостный исторический период закончилось с падением Рима в 1527 году». В Южной Европе восторжествовала Контрреформация, которая с опаской смотрела на всякое свободомыслие, включая воспевание человеческого тела и воскрешение идеалов античности как краеугольные камни ренессансной идеологии. Мировоззренческие противоречия и общее ощущение кризиса вылились во Флоренции в «нервное» искусство надуманных цветов и изломанных линий -- маньеризм.

Пятое северное - Итальянский Ренессанс практически не имел влияния на другие страны до 1450 г. После 1500 г. стиль распространился по континенту, но многие позднеготические влияния сохранялись даже до наступления эпохи барокко.

Ренессанса на территории Нидерландов, Германии и Франции принято выделять в отдельное стилевое направление, имеющее некоторые различия с Возрождением в Италии, и называть «Северное Возрождение».

Наиболее заметны стилевые различия в живописи: в отличие от Италии, в живописи долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследия и познанию анатомии человека.

ГЛАВА 2. ВЕЛИКИЕ ИТАЛЬЯНСКИЕ ХУДОЖНИКИ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

2.1 Биография и творчество художников

Сандро Боттичелли (1 марта 1445 -- 17 мая 1510) -- глубоко религиозный человек, работал во всех крупных храмах Флоренции и в Сикстинской капелле Ватикана, однако в истории искусства остался в первую очередь как автор крупноформатных поэтичных полотен на сюжеты, вдохновлённые классической античностью, -- «Весна» и «Рождение Венеры». .

Долгое время Боттичелли находился в тени работавших после него гигантов Возрождения, пока не был в середине XIX века переоткрыт британскими прерафаэлитами, которые почитали хрупкую линеарность и весеннюю свежесть его зрелых полотен за высшую точку в развитии мирового искусства.

Родился в семье зажиточного горожанина Мариано ди Ванни Филипепи. Получил хорошее образование. Учился живописи у монаха Филиппо Липпи и перенял у него ту страстность в изображении трогательных мотивов, которой отличаются исторические картины Липпи. Потом работал у известного скульптора Верроккьо. В 1470 г. организует собственную мастерскую..

Тонкость и точность линий он перенял у второго своего брата, который был ювелиром. Некоторое время учился вместе с Леонардо да Винчи в мастерской Верроккьо. Оригинальная же черта собственного таланта Боттичелли состоит в наклонности к фантастическому. Он один из первых внес в искусство своего времени античный миф и аллегорию, и с особенной любовью работал над мифологическими сюжетами. Особенно эффектна его Венера, которая нагая плывет по морю в раковине, и боги ветров осыпают её дождем из роз, и гонят раковину к берегу.

Лучшим творением Боттичелли считают начатые им в 1474 году фрески в Сикстинской капелле Ватикана. Выполнил множество картин по заказам Медичи. В частности, расписал знамя Джулиано Медичи, брата Лоренцо Великолепного. В 1470-1480-х гг портрет становится самостоятельным жанром в творчестве Боттичелли («Человек с медалью», ок. 1474; «Юноша», 1480-е гг). Боттичелли прославился своим тонким эстетическим вкусом и такими произведениями, как «Благовещение» (1489--1490), «Покинутая» (1495--1500) и т. д. В последние годы своей жизни Боттичелли, по всей видимости, оставил живопись..

Сандро Боттичелли похоронен в фамильной гробнице в церкви Оньисанти во Флоренции. Согласно завещанию, его похоронили вблизи могилы Симонетты Веспуччи, вдохновившей самые прекрасные образы мастера.

Леонардо ди сер Пьеро да Винчи (15 апреля 1452, селение Анкиано, около городка Винчи, близ Флоренции -- 2 мая 1519, -- великий итальянский художник (живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, естествоиспытатель), изобретатель, писатель, один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, яркий пример «универсального человека» . .

Нашим современникам Леонардо в первую очередь известен как художник. Кроме того, не исключено, что да Винчи мог быть и скульптором: исследователи из университета Перуджи -- Джанкарло Джентилини и Карло Сиси -- утверждают, что найденная ими в 1990 году терракотовая голова является единственной дошедшей до нас скульптурной работой Леонардо да Винчи. Однако сам да Винчи в разные периоды своей жизни считал себя в первую очередь инженером или учёным. Он отдавал изобразительному искусству не очень много времени и работал достаточно медленно. Поэтому художественное наследие Леонардо количественно не велико, а ряд его работ утрачен или сильно повреждён. Однако его вклад в мировую художественную культуру является исключительно важным даже на фоне той когорты гениев, которую дало Итальянское Возрождение. Благодаря его работам искусство живописи перешло на качественно новый этап своего развития. Предшествующие Леонардо художники Ренессанса решительно отказывались от многих условностей средневекового искусства. Это было движения в сторону реализма и многое уже было достигнуто в изучении перспективы, анатомии, большей свободы в композиционных решениях. Но в плане живописности, работы с краской, художники были ещё достаточно условны и скованы. Линия на картине четко очерчивала предмет, и изображение имело вид раскрашенного рисунка. Наиболее условным был пейзаж, который играл второстепенную роль. .

Леонардо осознал и воплотил новую живописную технику. У него линия имеет право на размытость, потому что так мы её видим. Он осознал явления рассеяния света в воздухе и возникновения сфумато -- дымки между зрителем и изображенным предметом, которая смягчает цветовые контрасты и линии. В итоге реализм в живописи перешёл на качественно новую ступень. . возрождение картина боттичелли ренессанс

Рафаэль Санти (28 марта 1483 -- 6 апреля 1520) -- великий итальянский живописец, график и архитектор, представитель умбрийской школы..

Сын живописца Джованни Санти прошёл первоначальную художественную выучку в Урбино у своего отца Джованни Санти, но уже в юном возрасте оказался в мастерской выдающегося художника Пьетро Перуджино. Именно художественный язык и образность картин Перуджино с их тяготением к симметричной уравновешенной композиции, ясностью пространственного решения и мягкостью в решении колорита и освещения оказали первостепенное влияние на манеру молодого Рафаэля.

Необходимо оговорить и то, что творческий почерк Рафаэля включал синтез приемов и находок других мастеров. Сначала Рафаэль опирался на опыт Перуджино, позднее поочерёдно -- на находки Леонардо да Винчи, Фра Бартоломео, Микеланджело. .

Ранние произведения («Мадонна Конестабиле» 1502--1503) проникнуты изяществом, мягким лиризмом. Земное бытие человека, гармонию духовных и физических сил прославил в росписях комнат Ватикана (1509--1517 года), достигнув безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия колорита, единства фигур и величественных архитектурных фонов..

Во Флоренции, соприкоснувшись с творениями Микеланджело и Леонардо, Рафаэль учился у них анатомически правильному изображению человеческого тела. В 25 лет художник попадает в Рим, и с этого момента начинается период наивысшего расцвета его творчества: он выполняет монументальные росписи в Ватиканском дворце (1509--1511), среди которых безусловный шедевр мастера -- фреска «Афинская школа», пишет алтарные композиции и станковые картины, отличающиеся гармоничностью замысла и исполнения, работает как архитектор (некоторое время Рафаэль даже руководит строительством собора св. Петра). В неустанных поисках своего идеала, воплощающийся для художника в образе Мадонны, он создает самое совершенное своё творение -- «Сикстинскую Мадонну» (1513), символ материнства и самоотречения. Картины и росписи Рафаэля были признаны современниками, и вскоре Санти стал центральной фигурой художественной жизни Рима. Породниться с художником хотели многие знатные люди Италии, в том числе близкий друг Рафаэля кардинал Биббиена. Художник умер в возрасте тридцати семи лет от сердечной недостаточности. Незаконченные росписи виллы Фарнезины, Ватиканские лоджии и другие работы были завершены учениками Рафаэля в соответствии с его эскизами и рисунками..

Один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, для картин которого характерна подчеркнутая сбалансированность и гармоничность целого, уравновешенность композиции, размеренность ритма и деликатное использование возможностей цвета. Безупречное владение линией и умение обобщать и выделять главное, сделало Рафаэля одним из самых выдающихся мастеров рисунка всех времен. Наследие Рафаэля послужило одним из столпов в процессе становления европейского академизма. Приверженцы классицизма -- братья Карраччи, Пуссен, Менгс, Давид, Энгр, Брюллов и ещё многие другие художники -- превозносили наследие Рафаэля как самое совершенное явление в мировом искусстве..

Тициан Вечеллио (1476/1477 или 1480-е--1576) -- итальянский живописец эпохи Возрождения. Имя Тициана стоит в одном ряду с такими художниками Возрождения, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль. Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции..

По месту рождения (Пьеве-ди-Кадоре в провинции Беллуно) его иногда называют да Кадоре; известен также как Тициан Божественный..

Тициан родился в семье Грегорио Вечеллио, государственного и военного деятеля. В десятилетнем возрасте был направлен вместе с братом в Венецию для обучения у известного мозаичиста Себастьяна Дзуккато. Через несколько лет поступил учеником в мастерскую Джованни Беллини. Учился вместе с Лоренцо Лотто, Джорджо да Кастельфранко (Джорджоне) и рядом других художников, ставших впоследствии знаменитыми.

В 1518 году Тициан пишет картину «Вознесение Богоматери» , в 1515 году -- Саломею с головой Иоанна Крестителя. С 1519 по 1526 год расписывает ряд алтарей, в том числе алтарь семейства Пезаро..

Тициан прожил долгую жизнь. До последних дней он не прекращал работать. Свою последнюю картину, «Оплакивание Христа», Тициан написал для собственного надгробия. Художник скончался от чумы в Венеции 27 августа 1576 году, заразившись от своего сына, ухаживая за ним..

Император Карл V вызвал Тициана к себе и окружил почётом и уважением и не раз говорил: «Я могу создать герцога, но где я возьму второго Тициана». Когда однажды художник уронил кисть, Карл V поднял её и сказал: «Услужить Тициану почётно даже императору». И испанский, и французский короли приглашали Тициана к себе, поселиться при дворе, но художник, выполнив заказы, всегда возвращался в родную Венецию.В честь Тициана назван кратер на Меркурии. .

2.2 Описание работ

Картина Сандро Боттичелли (1445-1510) "Весна"

Образы картины навеяны античной поэзией и имеют мифологический подтекст. Однако это не только поэтическое иносказание. Боттичелли вложил в свое произведение сложный философский смысл. Для того чтобы раскрыть основной замысел «Весны», обратимся к содержанию и композиционному построению картины..

Движение в картине устремлено справа налево. Из верхнего правого угла вторгается голубовато-зеленая фигура в развевающемся плаще. По раздутым щекам и крыльям мы понимаем, что это ветер. От его полета согнулись стволы деревьев. Цепко схватил он бегущую влево нимфу. Она обернула к нему испуганное лицо, а руками касается третьей фигуры, будто просит защиты. Но та, словно не замечая, шествует к нижнему краю картины, глядя на зрителя, и жестом сеятеля, берущего новую пригоршню семян, опускает правую руку в складки платья, переполненные розами. Девушку с худощавым лицом, с венком на золотых волосах, в длинном платье, расшитом цветами, часто называли Весной. Это и есть богиня цветов и растений Флора..

Три фигуры понадобились художнику, чтобы рассказать миф о том, как весенний ветер Зефир своей любовью превратил нимфу по имени Хлорис (что означает «зеленая» или «зелень») в богиню цветения Флору. О том, как весной расцветает природа. И как поэтично показано превращение. Вместе с дыханием с открытых губ нимфы слетают цветы, они сыплются из-под ее руки, покрывают мелким узором ее подол. Кажется, будто это просвечивают сквозь ткань цветы, растущие на лугу. Третья справа фигура -- это уже превращенная Хлорис в ее новом облике. Она стала богиней в пышном одеянии. И как замечательно оживают и становятся настоящими цветами вышитые узоры ее платья (например, на ее вороте), напоминая зрителям, о каких реальных вещах повествует эта красивая сказка. Три правые фигуры символизируют первый месяц весны, ибо первое дуновение Зефира считалось ее началом.

Четвертой справа, чуть в глубине, помещена на картине Венера. Она показана простой, тихой и скромной. Это не блистательная красавица-богиня, привыкшая повелевать. Мы бы и не догадались, что это Венера, если бы над ее головой не парил в воздухе Амур с луком и огненной стрелой. И если бы деревья, заполняющие фон картины, не расступались вокруг нее полукруглым просветом, показывая, что здесь смысловой центр картины. Склонив голову набок, смотрит она в нашу сторону задумчиво, чуть испытующе. Движением правой руки, словно остановленным в воздухе, благословляет Венера группу Граций. Жест заботливый, опекающий. Он задерживает наше внимание, заставляя лучше ощутить четкую ритмическую паузу в центре картины, а затем посылает наш взгляд влево. Венера и ее спутницы Грации символизируют второй месяц весны -- апрель.

Наконец, последний персонаж картины--Меркурий (крайняя фигура слева). Достойный спутник Граций, поскольку он божество разума и красноречия, изобретатель искусств. Но самое главное то, что в древнеримском календаре Меркурию был посвящен весенний месяц май. Он назван так в честь матери Меркурия -- Майи. Этот месяц считался концом весны и началом лета. Может быть, поэтому Меркурий, служащий в картине символом мая, повернут спиной к другим весенним божествам.

Мир, изображенный на картине Боттичелли, необычен и загадочен. Сказочные деревья уже покрыты спелыми плодами, а луг еще только пестрит весенними цветами. У каждой фигуры «Весны» свой горизонт. Мы смотрим на них то чуть сверху, то чуть снизу. Может показаться, что некоторые из них стоят на склоне холма, но в другую минуту луг под ногами кажется ровным. А между тем просвет среди деревьев, волнообразной полосой проходящий через всю картину, в правой части ее показывает небо там, где мы ожидали бы видеть продолжение поверхности луга. Похоже, что Боттичелли сознательно отказывается от достижений ренессансной перспективы ради создания атмосферы взволнованности и пафоса..

Композиционный ритм «Весны» частый, сдавленный. Художник волнообразно расположил ряд фигур, то сдвинув их тесно, то увеличив интервал, окружив темным фоном зелени и создав еще второй, дробный ритм цветов и орнаментов. В линиях контуров и складок преобладают довольно крутые диагонали, поднимающиеся влево, и почти нет горизонталей..

У большинства фигур взгляд и жесты разобщены, словно они показаны в момент, когда прежнее движение еще продолжается по инерции, а внимание переключается на новый предмет. Так, например, средняя Грация еще движется в хороводе подруг, но уже забывает о нем, погруженная в созерцание Меркурия. Кажется, что движения и жесты в картине забыты в тот же миг теми, кто их совершает, или теми, к кому они обращены. Мгновения, как и линии, перекликаются между собой, но не связываются, а разобщаются. Отсюда настроение глубокой созерцательности, благодаря которому входит в картину тема более важная, чем положенная в ее основу аллегория,-- тема духовной жизни..

Некоторые искусствоведы полагают, что картина должна была укрепить в подростке привязанность к тем нравственным идеалам, которые внушали ему воспитатели. Венера в боттичеллиевской «Весне» скорее всего символизирует не просто любовь и красоту, а «гуманитас» -- достойную принадлежность к человечеству, человечность. Тут полезно напомнить, что слово «грация» относится в итальянском языке не только к красоте, но и к доброте, милосердию..

А еще хочется сказать немного и о таких сторонах содержания «Весны», которые были ясны лишь наиболее образованным современникам художника. Боттичелли дважды показал на картине Флору-Хлорис. Но это не единственное повторение в картине. В XV веке в Грациях видели три разных проявления единого божества -- Венеры; считали, что Грации -- это она сама. Ученые много спорят об именах и различиях Граций у Боттичелли; оказывается, что одну из Граций в XV веке итальянцы часто называли «Вердура» (зелень, молодость). Не правда ли, похоже на перевод имени Хлорис? Венеру некоторые поэты прямо отождествляли с Флорой. Что касается Меркурия, то он, кроме всего, считался богом ветра и в этом качестве назывался Зефиром. Итак, в композиции из восьми фигур показаны лишь два обобщенных поэтических символа: один, олицетворяющий ветер, дух, разум, другой -- любовь, природу, цветение..

Сандро Боттичелли «Рождение Венеры» (1482-1483)

Знаменитая картина художника Сандро Боттичелли «Рождение Венеры». Размер работы 172,5 x 278,5 см, холст, темпера. Картина написана по заказу Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи, для которого исполнялась и «Весна». Картина была предназначена для украшения все той же виллы Кастелло. По-видимому, они мыслились как парные композиции, и между ними существовала определенная связь. .

Картина изображает рождение небесной Венеры из пены моря, или таинство явления в мир Красоты. Под дуновением Зефира, проносящегося над морским пространством в объятиях своей возлюбленной Ауры, богиня приплывает на раковине к берегу. Ее встречает Ора, готовая накинуть на нагое тело Венеры плащ, расшитый цветами. Если «Весна» ассоциируется с праздником в царстве богини любви, то эта композиция представляет богоявление. Как обычно в живописи Боттичелли, приподнятость чувств здесь граничит с меланхолической задумчивостью, рождая эмоциональную атмосферу, пронизанную светом. Все в композиции несет на себе отпечаток субъективного мира художника.

Боттичелли выразительно передал стихию ветров, веющих над водами. Клубящиеся одеяния, линии, которыми написаны волосы и крылья -- все это исполнено динамического порыва, олицетворяющего один из основных элементов вселенной. Ветры -- Зефир и Аура -- зримо колышут водный простор. В отличие от ветров, чья стихия -- воздух, пространство Оры -- земля. В белом платье, расшитом васильками, украшенная гирляндами из миртов и роз, она, стоя на берегу, готова окутать Венеру плащом, красный цвет которого символизирует любовь. Два боковых крыла композиции -- пролетающие ветры и Ора, чей объем зримо увеличивают платье, колеблемое ветром, дерево и плащ Венеры, -- это нечто вроде завесы, которая, распахнувшись, представила миру таинство явления Красоты. В картине «Рождение Венеры» удивительно точно найдена каждая деталь, а композиция в целом оставляет впечатление совершенной гармонии. Натянутыми, порывистыми и мелодичными линиями, выводящими сложную арабеску, художник очерчивает фигуры и более обобщенными контурами обозначает окружающую среду. Видна лишь узкая полоска берега, а остальное место занимают светлое сияющее изнутри небо и море. Венера -- едва ли ни самый пленительный образ у Боттичелли. Художник дает собственное истолкование классического идеала красоты..

Боттичелли изображает фигуру с изящно покатыми плечами, маленькой головкой на великолепной длинной шее и вытянутыми пропорциями тела и певучими, плавными очертаниями форм. Неправильности в передаче строения фигуры, в фиксации ее контуров лишь усиливают замечательную экспрессию образа. В лице богини также заметны отступления от классической правильности, но оно прекрасно и притягательно своей трогательностью. В выражении его отсутствует определенность, так же как лишена устойчивости поза богини, только что пришедшей в мир. Глаза Венеры смотрят слегка удивленно, не останавливаясь ни на чем. Голова увенчана роскошным каскадом золотистых волос. Следуя древнеримским поэтам, Боттичелли изображает волосы, разделенные на пряди и колеблемые морским ветром. Это зрелище очаровывает. Стыдливым жестом Венера прикрывает тело. Чувственный облик прекрасной богини любви и красоты художник наделил чистотой и почти сакральной возвышенностью. Дождь роз, мерно ниспадающих в море, передан ясным языком линий и цвета. Боттичелли не ищет научно выверенной точности их очертаний и форм. Восхищение красотой цветка диктует ему простые и изящные контуры бутонов и раскрытых роз, повернутых в разных ракурсах. Их нежная окраска, хрупкость строения и ритм этого тихого дождя из цветов подчеркивает эмоциональную тональность композиции..

Леонардо да Винчи «Мадонна Литта» (1490-1491)

Картину «Мадонна Литта» художник Леонардо да Винчи написал в начале 90-х годов 15-го столетия. Размер картины 42 x 33 см, дерево, темпера. В картине «Мадонне Литта» -- в произведении итальянского живописца иного, более камерного характера нежели ранние работы, отчетливо выразились элементы нового искусства эпохи Высокого Возрождения. Общий замысел картины восходит, бесспорно, к самому мастеру, что подтверждается его собственноручным рисунком женской головы для головы мадонны, хранящимся в Лувре, и той особой красотой композиционного решения, которая в те годы была недоступна никому, кроме Леонардо да Винчи..

Однако живописное исполнение картины менее совершенно. Это связано, по-видимому, с тем, что в работе над картиной принимал участие ученик Леонардо Амброджо де Предис. Картина «Мадонна Литта» по своему типу напрашивается на сравнение с «Мадонной с цветком», в сопоставлении с которой становится особенно наглядным решающий качественный скачок, который произошел в творчестве Леонардо да Винчи.

Композиционное построение картины отличается поразительной четкостью и совершенством. Достаточно обратить внимание на то, как красиво до предела обобщенный и в то же время живой силуэт фигуры мадонны сочетается с геометрически строгими очертаниями двух симметрично расположенных оконных проемов или как безошибочно точно, но в то же время естественно ее голова помещена в простенке между этими окнами. Мягкая лепка ее лица выигрывает от контрастного соседства с голубым небом, видимым в просвете окон.

Чувство радости материнства в картине «Мадонна Литта» углубилось благодаря содержательности самого образа Марии -- в нем нашел свое зрелое выражение тип леонардовской женской красоты. Тонкому прекрасному лицу мадонны особую одухотворенность придают полузакрытые глаза и едва уловимая улыбка -- кажется, что она улыбается своим грезам. Картина «Мадонна Литта» написана художником не маслом, а темперой -- ее лучшей сохранностью объясняется, вероятно, несколько более интенсивное, чем обычно у Леонардо, колористическое созвучие подбитого золотистой подкладкой синего плаща (более светлым отголоском которого воспринимается голубое небо с легкими облаками) и насыщенно красного платья мадонны. .

Леонардода Винчи « Джоконда » (Мона Лиза)

Будучи высшей точкой, вершиной творчества Леонардо, это полотно является как бы кристаллизацией его гения, сокровенных мыслей и вдохновения. О Моне Лизе известно очень мало, кроме нескольких незначительных фактов, и потому трудно ответить на очень важный вопрос, часто задаваемый и обсуждаемый: была ли она просто красивой моделью для Леонардо или же она была его музой и даже любовью, во что многие хотели бы верить. Есть некоторые факты, подтверждающие правильность последнего предположения, и это, возможно, объясняет особое волшебство картины. Но какова бы ни была правда, какой замечательной, должно быть, являлась она личностью, если сумела вызвать все лучшее в этом гиганте Ренессанса. Она помогла этому гению оставить потомкам уникальный шедевр, вдохновляющий тысячи и тысячи людей на протяжении веков.

Огромное воздействие окружающих людей на художников слишком хорошо известно, даже если сами эти люди оставались в тени. Взаимодействие личностей модели и художника, особенно если их связывают взаимная симпатия и влечение, часто приводит к созданию шедевров..

В данном случае Моне Лизе было дано пробудить в Леонардо такое вдохновение, что он создал одно из прекраснейших сокровищ мира. Бессмертный ореол, окружающий все творения этого величайшего гения, подтверждают его собственные слова: "Если человек добродетелен, не прогоняйте, а почитайте его, чтобы у него не было причин оставить вас. Если вы встретитесь с такими людьми - почитайте их, так как они Боги на этой Земле и достойны такого же поклонения, как священные статуи и образы". Хотя до сих пор ведутся споры о том, чей же образ мастер запечатлел на своем полотне. Общепринятым считается мнение, что прототипом изображенной на портрете женщины является жена флорентийца Франческо ди Джокондо, чье имя - Мона Лиза - стало вторым, обиходным, названием картины. .

Портрет Моны Лизы - вершина творчества Леонардо да Винчи. По сравнению с предыдущими портретами данная работа намного более совершенна. Впервые за всю историю живописи портретный образ выполнен столь же значительно, что и образы других живописных жанров. Поразительна художественная глубина произведения. Техника написания портрета доведена мастером до совершенства.

Пристально, неотрывно смотрит Джоконда на зрителя. Ее спокойный взгляд излучает ум и волю. Улыбка Джоконды необычайно притягательна, обворожительна, маняща. Она не просто улыбается, а интригует зрителя. Улыбаясь, Джоконда не выказывает пренебрежения или превосходства, просто она спокойна, полна самообладания и уверена в себе. Сила человеческой личности, единство духа и разума - вот одна из особенностей леонардовского портрета. От Джоконды исходит ощущение внутренней свободы, душевной гармонии, сознания собственной значительности. .

Пейзаж, открывающийся за спиной Джоконды, выполнен в светлых тонах и словно является продолжением ее образа. Фигура девушки гармонично сливается с окружающим природным ландшафтом, что помогает выразить основную идею картины: внутренний мир человека многогранен, прекрасен и необъятен, как и мир природы. Однако человеку не суждено полностью познать окружающий его мир. Возможно, именно эти тщетные попытки человека проникнуть в сущность всего живого и вызывают на устах Джоконды ее знаменитую улыбку. Современники Леонардо были поражены достигнутым сходством, необыкновенной жизненностью портрета. .

Иногда кажется, что можно почувствовать дыхание Моны Лизы, если приблизиться к ней. На самом деле значение этой работы гораздо более широко: портрет Джоконды можно рассматривать как образ человека эпохи Возрождения. Представим, что Джоконда исчезла, осталась только ее загадочная улыбка... И даже если предположить, что исчезла вся цивилизация, а сохранилась лишь улыбка Моны Лизы, волшебная сила ее могла бы вновь возродить человечество. .

Завершив работу над портретом Джоконды, автор уже не расставался с ним. После его смерти картина перешла к королю Франции Франциску I, который поместил ее в своем дворце - Лувре, где она находится до сих пор. Джоконда и сейчас дарит людям свою загадочную улыбку, заставляя задуматься о необъятности нашего мира, о жизненных ценностях и приоритетах, о гармоничном слиянии человека с природой и искусством.

Рафаэль «Сикстинская Мадонна»

Является одним из известнейших произведений итальянского Ренессанса. Полотно было создано Рафаэлем в 1512--1513 годах для алтаря церкви монастыря Святого Сикста в Пьяченце по заказу Папы Юлия II в честь победы над французами, вторгшимися в Италию и присвоения Пьяченце статуса Папской Области..

На картине изображены Мадонна с младенцем в окружении папы Сикста II, носящего сходство с Папой Юлием II, Святой Варвары, и двумя ангелочками внизу, под Мадонной глядящими снизу вверх на её схождение. Фигуры образуют треугольник, поднятый занавес лишь подчёркивает геометрическое построение композиции..

Святой, у ног которого изображена папская тиара, подчёркивающая его высокий сан, указывает своей рукой в сторону наблюдателя, и Мадонна с младенцем смотрят в указанном им направлении, в то время как Святая Варвара склонила голову. Первоначальное место картины было перед большим распятием, поэтому выражения лиц и позы фигур на картине обусловлены их чувствами при виде страданий и смерти Христа..

Предполагают, что моделью для Мадонны послужила возлюбленная Рафаэля Форнарина. Кажется, что Сикст Второй, папа римский, изображён Рафаэлем на картине с шестью пальцами на правой руке, поскольку он Сикст, то есть на латыни Шестой. На самом деле кажущийся «шестой палец» («мизинец») является частью внутренней стороны ладони..

Два ангелочка, изображённые на картине, являются мотивом многочисленных открыток и плакатов. Некоторые искусствоведы утверждают, что эти ангелочки опираются на крышку гроба..

У левого ангела внизу картины видно только одно крыло. Если внимательно приглядеться, то можно увидеть, что фон из светлых облаков в верхней части картины состоит из лиц и голов ангелов.

Рафаэль « Мадонна Конестабиле » ( 1502--04 )

Холст (переведена с дерева), темпера. 17,5Ч18 см

«Мадонна Конестабиле» -- миниатюрное и, вероятно, неоконченное изображение Девы Марии и младенца Христа, принадлежащее кисти 20-летнего Рафаэля. Традиционно считается последней работой, созданной Рафаэлем в Умбрии, до переезда во Флоренцию (художник, скорее всего, оставил её незавершённой в связи с переездом)..

Картина, в старину именовавшаяся «Мадонной с книгой» происходит из семьи графа Конестабиле из Перуджи, у которого она была приобретена Александром II в 1871 году. Царь подарил его своей супруге, Марии Александровне. С тех пор картина выставляется в собрании Эрмитажа в Санкт-Петербурге..

Эрмитажные работы старых мастеров сильно пострадали при переводе с доски на холст -- обычная практика во многих музеях XIX века. Однако этот процесс приносил и свои открытия. Ныне картина изображает Мадонну за чтением книги -- вероятно, Священного Писания. В 1881, когда картина переводилась на холст, было обнаружено, что поначалу она держала в руках не книгу, а гранат -- символ пролитой крови и Христовой жертвы. Сама процедура перевода описана В. В. Стасовым в очерке «Художественная хирургия»..

Во время эрмитажных распродаж советского времени картину вместе с «Мадонной Альба» вывезли в Европу, однако, несмотря на скромность запрошенной цены, покупателя на «сомнительную» работу найти так и не смогли. Благодаря этому «Мадонна Конестабиле» осталась единственным полотном Рафаэля в российских собраниях..

До перевода на холст одно целое с картиной составляла пышная рама с гротесками, созданная в одно время с полотном, вероятно, по рисунку самого Рафаэля.

Тициан «Венера с зеркалом»

Венера смотрится в зеркало, которое держит перед ней Амур.

Точная дата написания картины неизвестна. Считается, что она была закончена около 1647--1651 гг. Предположительно, написал «Венеру с зеркалом» во время своего визита в Италию, так как инквизиция в Испании запрещала писать обнажённое женское тело. .

Сюжет этого полотна навеян венецианской живописью эпохи Возрождения. Похожие картины можно встретить у Джорджоне («Спящая Венера») и Тициана («Венера Урбинская»). В своей работе Веласкес объединил две устоявшиеся позы, в которых изображалась Венера -- полулежащая и с зеркалом..

«Венера с зеркалом» -- единственное сохранившееся изображение обнажённого женского тела кисти Веласкеса. До 1813 года картина хранилась в частных коллекциях в Испании, потом была перевезена в Йоркшир. В 1906 году она была куплена Фондом национальных коллекций для Лондонской Национальной галереи. В 1914 году картина была повреждена суфражисткой Мэри Ричардсон, но полностью реставрирована и возвращена в галерею, где находится и по сей день..

Тициан « Кающаяся Мария Магдалина » (1560)

Картина художника Тициано Вечеллио «Кающаяся Мария Магдалина». Размер картины 119 x 98 см, холст, масло. Последовательно и с большой живописной силой эстетические представления позднего Тициана о жизни находят свое выражение в его «Кающейся Магдалине», одном из шедевров эрмитажной коллекции. Картина эта написана на сюжет, весьма характерный для эпохи контрреформации. .

На деле же в этой картине Тициан еще раз утверждает гуманистическую и «языческую» основу своего творчества. Великий реалист, решительно переосмысливая религиозно-мистический сюжет, создает произведение, по своему содержанию открыто враждебное реакционно-мистической линии в развитии итальянской позднеренессансной культуры. Для Тициана смысл картины не в пафосе христианского покаяния, не в сладостной истоме религиозного экстаза и тем более не в утверждении тленности плоти, из «темницы» которой рвется к богу «бестелесная душа» человека. В «Магдалине» череп -- мистический символ тленности всего земного -- для Тициана лишь аксессуар, навязанный канонами сюжета, поэтому он и обращается с ним довольно бесцеремонно, превращая его в подставку для развернутой книги. Взволнованно, почти жадно передает нам художник пышущую красотой и здоровьем фигуру Магдалины, ее прекрасные густые волосы, ее бурно дышащую нежную грудь..

Страстный взгляд полон земной, человеческой скорби. Тициан прибегает к мазку, передающему безукоризненно точно реальные цветовые и световые соотношения. Беспокойные, напряженные цветовые аккорды, драматическое мерцание света и тени, динамическая фактура, отсутствие изолирующих объем жестких контуров при пластической определенности формы в целом создают образ, полный внутреннего движения. Волосы не лежат, а спадают, грудь дышит, рука дана в движении, складки платья взволнованно колышутся. .

Свет мягко мерцает в пышных волосах, отражается в подернутых влагой глазах, преломляется в стекле фиала, борется с густыми тенями, уверенно и сочно лепит форму тела, всю пространственную среду картины. Точное изображение действительности сочетается с передачей ее вечного движения, с ее яркой образно-эмоциональной характеристикой. Но каков в итоге смысл создаваемого с такой живописной силой образа? Художник восхищается Магдалиной: человек прекрасен, его чувства ярки и значительны. Но он страдает. .

Былое ясное и безмятежное счастье бесповоротно нарушено. Окружающая человека среда, мир в целом -- уже не тот спокойный фон, покорный человеку, каким мы видели его раньше. На пейзаж, расстилающийся за Магдалиной, набегают темные тени, небо заволакивают грозовые тучи, и при тусклом свете последних лучей угасающего дня выступает образ охваченного горем человека.

2.3 Сравнительный анализ

Исходя из описания картин можно сказать, что художники преодолевают рамки традиционного сюжета и придают изображению более широкий, общечеловеческий смысл, каковыми является материнская робость и любовь. Многие произведения этих творцов относятся к редчайшим шедеврам искусства.

Женщина представала в картинах очень красивой, не виданные в то время образы красоты, заставляли смотреть на картину не отводя глаз. У этих произведений пленитьное впечатление. В душе зарождается стремление к прекрасному. Во всех картинах удивительно живые взгляды, на некоторых картинах таинственные и загадочные улыбки. Почти все женщины как-то схожи между собой, может то, что они все изображались с объективными формами, у всех в лице есть некая психологическая выразительность. В картинах присутствует равновесие и гармония, конкретные сопостовления фигур, мягкие полутона, застывшая неподвижность, всеобщая текучесть. Так же про эти шедевры можно еще сказать, что авторы показывали четкую композицию фигур, стремление к лаконичности, стремление к обобщению, играли на контрастах иногда делали их резкими.

Художники создают живые трепетные изображения. Человечность, любовь к подлинному можно увидеть. Живыми чувствами людей пронизывают свои произведения искусства. Например на картине Леонардо да Винчи «Мадонна Литта» - ребенок полный здоровья и бессознательной энергии, движется на руках матери, перебирает ножками. Она любуется им погруженная в свои мысли, сосредоточив на ребенке всю силу своих чувств и сосредоченость настроения. Угадывающийся взгляд создают то впечатление одухотворенности, которое Леонардо так любил и умел вызывать.

Эти картины помогают создать волнующее и возвышенное представление о человеке.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

В работе рассмотрено 8 картин с изображением женщин Леонардо да Винчи «Мадонна Литта», «Портрет Моны Лизы»; Сандро Боттичелли «Весна», «Рождение Венеры»; Рафаэля «Сикстинская Мадонна», «Мадонна Калестабиле»; Тициана «Венера с зеркалом», «Кающаяся Магдалина». Цели достигнуты, изображение женской красоты описано. Анализ работ проведен.

Это необыкновенные люди, все знали и все умели. Легендарная слава прожила столетия и до сих пор не только не померкла, но и разгорается все ярче. Работы насыщены любовью к женщине, любовью к детям, любовью к красоте, любовью к прекрасному, любовью ко всему что нас окружает. Каждое произведение по своему заставляет задуматься, о многих жизненных вопросах. Вот смотришь на картину Тицина «Кающаяся Магдалена» и сердце разрывается. На ней изображены удивительные глаза, они глубоки как море. Любой не образованный человек в художественном искусстве, сказал бы, что это фотография, невозможно так изобразить человека. А вот у художников Возрождения это очень хорошо получалось, каждая линия прорисована. Эти картины настолько живые, что даже смотря ее на обложке книги, сразу проникаешь в то измерение, где жили эти выдающиеся художники. После таких удивительных работ начинаешь по другому смотреть на мир. И я очень рада, что именно эту тему взяла для работы, узнала не только всего нового и интересного, а также познала мир этой превосходной эпохи, и мир превосходных художников. Красота и красивые женщины и красивые женщины и красота заслуживают того, чтобы каждый их восхвалял и ценил их превыше всего потому, что красивая женщина есть самый прекрасный объект, каким только можно любоваться, а красота - величайшее благо, которое господь даровал человеческому роду, ведь через ее свойства мы направляем душу к созерцанию, а через созерцание - к желанию небесных вещей, почему она и была послана в нашу среду в качестве образца и залога.

...

Подобные документы

Начало творческого пути художника эпохи итальянского Возрождения Сандро Боттичелли. Учеба в мастерской Фра Филиппо Липпи, влияние творчества Андреа Верроккьо и первые работы. Сюжеты картин художника: "Весна", "Рождение Венеры", "Мадонна с гранатом".

реферат , добавлен 06.05.2009


Произведения величайших мастеров эпохи Ренессанса итальянских художников Леонардо ди сер Пьеро да Винчи и Микеланджело Буонарроти. Портрет Бальдассаре Кастильоне итальянского живописца, архитектора, представителя флорентийской школы Рафаэля Санти.

презентация , добавлен 07.01.2011


Исследование культуры итальянского Возрождения. Синтез науки и искусства в творчестве Леонардо да Винчи. Проблема систематизации математики и естествознания. Изучение живописи как формы творческого познания. Образ мадонны в картинах Леонардо да Винчи.

дипломная работа , добавлен 07.12.2009


Особенности жизненного и творческого пути Леонардо ди сер Пьеро да Винчи, его историческое значение. Портрет Моны Лизы как тайный автопортрет Леонардо да Винчи. Специфика шрифта и манеры писать великого мыслителя. Разгадки тайн Моны Лизы П. Коттом.

презентация , добавлен 31.03.2011


Леонардо да Винчи - итальянский художник и учёный, яркий представитель типа "универсального человека" - идеала итальянского Ренессанса. Анализ некоторых произведений мастера: "Мадонна Бенуа","Мадонна в скалах", "Дама с горностаем", "Тайная вечеря".

презентация , добавлен 30.01.2010


Основные черты и этапы культуры эпохи Возрождения. Данте Алигьери и Сандро Боттичелли как крупнейшие представители раннего Ренессанса. Творчество Леонардо да Винчи. Особенности и достижения литературы, архитектуры, скульптуры и искусства Ренессанса.

дипломная работа , добавлен 27.05.2009


Ознакомление с историей жизни Леонардо да Винчи. Сфумато как стиль живописи одного художника. Описание работ мастера, таких как портрет Дженевры Бенчи, "Дама с горностаем", "Мона Лиза". Определение связи творчества Леонардо со временем, в котором он жил.

реферат , добавлен 01.03.2015


Представители эпохи раннего Ренессанса, отображение человеческой индивидуальности в произведениях. Художественное своеобразие картин Леонардо да Винчи, Рафаэля и М. Буонарроти. Отказ от идей гуманизма художников Позднего Возрождения (Понтормо, Веронезе).

реферат , добавлен 18.01.2011


Боттичелли Сандро как итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения, представитель флорентийской школы. Анализ работы "Мадонна и младенец с ангелом". "Весна", семантика картины. "Рождение Венеры", сюжет. Композиция работы "Святое Собеседование".

презентация , добавлен 28.05.2013


Итальянский гуманизм эпохи Возрождения: этические учения XIV-XV веков. Краткая характеристика основных этапов жизни Леонардо да Винчи: ранний, зрелый, поздний период творчества Леонардо да Винчи. Обзор и история самых знаменитых его творений.

Мадонны Леонардо да Винчи и Рафаэля Санти

М а д о н н ы

Леонардо да Винчи и Рафаэля Санти

Леонардо да Винчи - один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, пример «универсального человека».

Он был художником, скульптором, архитектором, учёным (анатомом, естествоиспытателем), изобретателем, писателем, музыкантом.
Полное его имя - Leonardo di ser Piero da Vinci , в переводе с итальянского языка это значит «Леонардо, сын господина Пьеро из Винчи».
В современном смысле Леонардо не имел фамилии - «да Винчи» означает просто «(родом) из городка Винчи».
Нашим современникам Леонардо в первую очередь известен как художник.

Мона Лиза — 1503-1506Леонардо да Винчи

Кто не знает «Джоконду» — знаменитый шедевр Леонардо да Винчи?! Лицо Джоконды знакомо всему миру, ее образ по-прежнему является наиболее часто репродуцируемым изображением. Однако, несмотря на свою популярность и растиражированность, «Джоконда» остается для нас загадкой.

Эта картина окутана тайной, и каждый раз, глядя на нее, мы испытываем удивительное чувство открытия чего-то нового, не изведанного ранее — подобно тому, как мы заново открываем для себя хорошо знакомый с лета пейзаж, увидев его однажды осенью погруженным в таинственную туманную дымку…

В свое время Вазари утверждал, что «Мона Лиза» (сокращение от «Мадонна Лиза») была написана с третьей жены флорентийского богача по имени Франческо ди Бартоломее дель Джиокондо, откуда и пошло второе название картины — «Джоконда».

Типичное для живописной манеры Леонардо да Винчи «сфумато» здесь подчеркивает таинственную силу природы, которую человек может только видеть, но постичь разумом не способен.

Этот конфликт между зримым и сущим порождает смутное ощущение беспокойства, усиливающееся беспомощностью перед природой и временем: человек не знает, куда ему идти, ибо его жизнь — как та извилистая дорога из мрачного пейзажа за спиной у Джоконды — выходит из ниоткуда и устремляется в никуда…

Леонардо волнует вопрос о месте человека в этом мире, и, похоже, один из возможных ответов он выражает в улыбке несравненной Моны Лизы: эта ироничная улыбка является знаком полного осознания кратковременности человеческого существования на земле и покорность Вечному порядку природы. В этом — мудрость Джоконды.

Как отмечал немецкий философ Карл Ясперс (1883-1969), «Джоконда» «снимает напряжение между личностью и природой, а также стирает грани между жизнью и смертью».

Написанная в Италии, «Джоконда» навсегда осталась во Франции — наверное, в качестве своеобразного бонуса за проявленное по отношению к ее автору гостеприимство.

Леонардо да Винчи: Мадонна Литта

Литта - миланская аристократическая фамилия XVII-XIX вв. В частном собрании этого семейства картина находилась несколько столетий - отсюда её название. Первоначальное название картины - «Мадонна с младенцем». «Мадонна» была приобретена Эрмитажем в 1864 г.
Предполагают, что картина была написана в Милане, куда художник переехал в 1482 г.
Её появление ознаменовало новый этап в ренессансном искусстве - утверждение стиля Высокого Возрождения.
Подготовительный рисунок к эрмитажному полотну хранится в Париже в Лувре.

«Мадонна в скалах» (1483-1486) Дерево, переведённое на холст, масло. 199х122 см. Лувр (Париж)

Мадонна в гроте

«Мадонна в гроте» — первая из работ Леонардо да Винчи, относящихся к миланскому периоду его творчества. Изначально эта картина должна была украшать алтарь часовни братства Непорочного Зачатия в миланском соборе Сан Франческо Гранде и является прекрасным свидетельством непревзойденного мастерства Леонардо да Винчи в области светотеневой моделировки фигур и пространства.

Леонардо да Винчи: Дама с горностаем

Леонардо да Винчи: Мадонна Бенуа

Леонардо да Винчи: Джиневра де Бенчи

«Прекрасная Ферроньера» — женский портрет в Лувре, считающийся работой Леонардо да Винчи или его учеников.

«Мадонна с гвоздикой» — картина, которую многие искусствоведы приписывают молодому Леонардо да Винчи. Предположительно, создана Леонардо в бытность его учеником в мастерской Верроккьо. 1478-1480 гг.

В этой подборке собраны самые известные картины Рафаэля , посвященные образу Богоматери (Мадонны).

Вслед за своим учителем Перуджино художник Рафаэль Санти (1483-1520) создал развёрнутую галерею образов Марии с младенцем , которые отличаются большим разнообразием композиционных приёмов и психологических трактовок.

Ранние мадонны Рафаэля следуют известным образцам умбрийской живописи кватроченто . Идиллические образы не лишены скованности, суховатости, иератичности. Взаимодействие фигур на мадоннах флорентийского периода более непосредственно. Для них свойственны сложные пейзажные фоны. На первый план выступают универсальные переживания материнства — чувство тревоги и одновременно гордости Марии за судьбу сына. Эта прелесть материнства — основной эмоциональный акцент в мадоннах, выполненных после переезда художника в Рим. Абсолютной вершиной считается « Сикстинская мадонна » (1514), где гармонично сплетены воедино торжествующий восторг с нотами пробуждающейся тревоги.

Мадонна с младенцем" (Madonna di Casa Santi) - первое обращение Рафаэля к образу, который станет главным в творчестве художника. Картина датируется 1498 годом. Художнику на момент написания картины было всего 15 лет. Сейчас картина находися в музее Рафаэля итальянского города Урбино.

"Мадонна Конестабиле" (Madonna Connestabile) написана в 1504 году и позднее названа по имени владельца картины графа Конестабиле. Картина была приобретена российским императором Александром II. Сейчас "Мадонна Конестабиле" находится в Эрмитаже (Санкт-Петербург). "
Мадонна Конестабиле" считается последней работой, созданной Рафаэлем в Умбрии, до переезда во Флоренцию.

"Мадонна с младенцем и святыми Иеронимом и Франциском" (Madonna col Bambino tra i santi Girolamo e Francesco), 1499-1504 годы. Сейчас картина находится в Берлинской картинной галерее.

"Малая Мадонна Коупера" (Piccola Madonna Cowper) написана в 1504-1505 годах. Картина была названа по имени её владельца лорда Коупера. Сейчас картина находится в Вашингтоне (Национальная галерея искусства).

"Мадонна Терранува" (Madonna Terranuova) написана в 1504-1505 годах. Название картина получила по одному из владельцев - итальянскому герцогу Терранува. Сейчас картина находится в Берлинской картинной галерее.

Картина Рафаэля "Святое семейство под пальмой" (Sacra Famiglia con palma) датирована 1506 годом. Как и на прошлой картине, здесь изображены Дева Мария, Иисус Христос и святой Иосиф (на этот раз с традиционной бородой). Картина находится в Национальной галерее Шотландии в Эдинбурге.

"Мадонна в зелени" (Madonna del Belvedere) датирована 1506 годом. Сейчас картина находится в Вене (Музей истории искусств). На картине Дева Мария держит младенца Христа, который хватает крест у Иоанна Крестителя.

"Мадонна Альдобрандини" (Madonna Aldobrandini) датирована 1510 годом. Картина названа по имени владельцев - семейства Альдобрандини. Сейчас картина находится в Лондонской Национальной галерее.

"Мадонна с канделябрами" (Madonna dei Candelabri) датирована 1513-1514 годами. На картине изображены Дева Мария с младенцем Христом в окружении двух ангелов. Картина находится в Художественном музее Уолтерса в Балтиморе (США).

"Сикстинская Мадонна" (Madonna Sistina) датирована 1513-1514 годами. На картине изображена Дева Мария с младенцем Христом на руках. Слева от Богоматери Папа Римский Сикст II, справа - святая Варвара. "Сикстинская Мадонна" находится в Галерее старых мастеров в Дрездене (Германия).

"Мадонна в кресле" (Madonna della Seggiola) датирована 1513-1514 годами. На картине изображены Дева Мария с младенцем Христом на руках и Иоанн Креститель. Картина находится в Галерее Палатина во Флоренции.

Великому творцу Рафаэлю Санти посчастливилось родиться в прекрасном «городе-дворце». Его творчество почитали, он был красив, богат. Но почему он так и не женился? Долгое время жил и трудился в Риме , но никогда не забывал город своего детства – Урбино. Ему было всего 37 лет, когда его настигла загадочная болезнь.

В честь Рафаэля назван один из многоцелевых модулей снабжения для МКС. Остальные два получили имена в честь других деятелей итальянского Возрождения - Леонардо да Винчи и Донателло.

28 марта 1483 года, в Великую пятницу, в семье художника Джованни Санти родился мальчик. Воспитанный в отчем доме в доброте и ласке, не слышавший в детстве ни одного грубого слова, Рафаэлло (так назвали этого ребенка) сумел сохранить до конца дней своих поразительную душевную ясность, которая вкупе с великим талантом позволила ему создать шедевры, обессмертившие в веках его имя и имя его родины - города Урбино.

Путь Рафаэля в искусстве удивительно ровен. Здесь мы не увидим чередования взлетов и падений, страданий и мучительных поисков, столь привычных, когда речь идет о любом гениальном творце. Нет, Рафаэль постепенно развивает свой талант, неуклонно продвигаясь к совершенству, и последняя законченная художником работа - Сикстинская мадонна - является венцом его творчества. Не потому ли смерть унесла Рафаэля так рано, что слишком прямым был его путь к вершине, достигнув которой, великому мастеру уже нечего было делать на этой земле?

При взгляде на картину Рафаэля «Сикстинская мадонна» многим кажется, что на руке у папы Сикста II шесть пальцев (это ощущение усиливается переводом имени Сикст - «шестой»). На самом деле это место является частью ладони.

Жизнь Рафаэля, подобно его пути творческому, была лишена мрачных красок. Потеря родителей в раннем возрасте лишь скорее привела мальчика, унаследовавшего от отца-художника обожание красоты и стремление к совершенству, в его истинный дом - мир искусства. Обладая почти ангельской внешностью, ровным и доброжелательным характером, Рафаэль всегда был окружен друзьями, нередко богатыми и влиятельными, позже - обожаем учениками, повсюду его сопровождавшими; он почти не имел врагов и завистников, никогда не знал нужды - даже в юности художник был обеспечен заказами, а в зрелый период его творчества работы было столько, что трудно представить, как одному-един-ственному человеку удалось создать такое количество шедевров за относительно небольшой отрезок времени.

Его фрески полны поэтической фантазии, а портреты современников поражают сходством с оригиналом и живостью всего изображенного. Рассказывают, что канцлер Льва X Балтазар Турини, обманутый иллюзией, опустился перед портретом папы на колени, передавая тому перо и чернила для подписи одной буллы. Этим портретом Рафаэль отдал должное Льву X, сыгравшему немалую роль в возвышении, успехе и счастье. Помимо огромной работы Рафаэля-художника в Ватикане , папа назначил его после смерти Браманте главным руководителем строительством собора Святого Петра, указав в своей бреве «Рафаэлю Ур-бинскому», что делает это согласно последней воле покойного Браманте, высокое мнение которого о таланте Рафаэля-архитектора последний подтвердил своей моделью этого храма. Время показало, что Лев X не ошибся в своем выборе.

Рафаэля называли Мастером Мадонн. Флорентийские мадонны Рафаэля - это прекрасные, миловидные, трогательные и чарующие юные матери.

Кажется на первый взгляд странным, что Рафаэль, любимый всеми, никогда не был женат. Он сам упорно отклонял весьма лестные брачные предложения: Рафаэля желал видеть мужем своей племянницы один из главных его покровителей и почитателей кардинал Биббиена; подыскал ему невесту и его любимый дядя Симоне Чиарла, которого племянник называл «вторым отцом». Однако Рафаэль, если верить легенде, любил одну единственную женщину - Форнарину. По преданию, эта девушка была дочерью булочника и жила неподалеку от церкви святой Цецилии на Тибре, в домике с садом, окруженным низкой стеной. Впервые Рафаэль увидел Форнарину гуляющей в саду, когда она забавлялась, купая ноги в холодной воде родника. Он страстно полюбил красавицу, и не находил покоя, пока не назвал ее своей.

Существуют две картины, написанные Рафаэлем, где изображена, как думают, Форнарина. На первом портрете возлюбленная художника предстает совсем юной девушкой, на другом - прекрасной римлянкой, царственной и грациозной. Любовь Рафаэля облагородила Форнарину, развила в ней новые чувства и наполнила ее сердце величием и гордостью, - так полагают те, кто считают, что оба портрета изображают одно лицо. Никто точно не знает, существовала ли Форнарина в действительности, но так ли это важно? Один из биографов великого художника пишет, что «гений Рафаэля был полон столь чудной фантазии, что не грех осветить его имя тем легендарным сиянием, каким он окружал своих святых».

Будучи немного моложе Микеланджело , Рафаэль многому у него учился, внимательно исследуя творчество этого величайшего мастера эпохи Возрождения . Однако судьбе было угодно, чтобы пути двух гениев пересеклись в Риме , куда оба они были призваны папой Юлием II, не жалевшим средств на «грандиозные сооружения и творения резца и кисти, которые вновь могли придать блеск церкви и Ватикану ».

Трудно представить себе человеческие натуры, более несхожие между собой: Рафаэль, молодой, счастливый, воспевающий неземную красоту и гармонию души и тела, и Микеланджело - больной, надломленный жизнью титан, несущий в сердце страдания своей страны и народа, и потому всегда исполненный протеста и негодования. Тем более интересны дошедшие до нас свидетельства их современников о непростых отношениях двух великих мастеров, некоторое время творивших рядом.

Они не могли сойтись дружески, однако каждый отдавал другому должную дань уважения и восторга. Микеланджело , не любивший Рафаэля, в силу своего благородства не мог себе позволить очернить соперника, и был самым беспристрастным судьей его произведений.

Однажды Рафаэль, исполнив по заказу за пятьсот экю несколько фресок, потребовал за них вдвое большую сумму. В ответ на изумление, вызванное этим «безумным капризом», художник предложил призвать экспертов, которые засвидетельствовали бы «умеренность его притязаний». Зная неприязнь Микеланджело к Рафаэлю, заказчик пригласил для оценки именно его. Микеланджело , увидев, как хороши фрески, указал пальцем на голову сивиллы и сказал, что эта одна голова стоит сто экю, а остальные не хуже этой. Заказчик, узнав о таком отзыве Микеланджело , вынужден был уплатить Рафаэлю требуемую тем сумму.

Знаменитые ангелочки с полотна «Сикстинская мадонна», персонажи многочисленных открыток и плакатов, опираются на темную горизонтальную поверхность. Некоторые искусствоведы утверждают, что это крышка гроба.

Нет свидетельств о прямом соперничестве двух величайших мастеров, однако рассказывают, что Микеланджело тайно помогал в работе своему приятелю, художнику Себастьяну дель Пьомбо, который сам едва ли мог бы конкурировать с Рафаэлем. Последний, догадавшись об этом, остроумно заметил: «Я глубоко тронут честью, оказанной мне Микеланджело , так как вижу, что он считает меня достойным бороться с ним, а не с Себастьяном».

Есть, однако, и другие истории, которые показывают, если им верить, что некоторая взаимная неприязнь порой брала верх над чувством уважения друг к другу. Говорят, например, что Микеланджело , когда поссорился с папой и решил покинуть Рим , приказал спрятать ключ от Сикстинской капеллы , чтобы Рафаэль не мог увидеть его работу. Рассказывают также, что однажды в залах Ватикана Микеланджело , в одиночестве шагавший в Сикстинскую капеллу , повстречал окруженного ученикам Рафаэля и иронически заметил, что тот ходит со свитой, словно генерал. На что Рафаэль ответил ему: «А Вы - как палач». Ответ этот, возможно, остроумный, но злой, указывает на то, что один гений едва ли в достаточной мере понимал душу другого. Как бы то ни было, Рафаэль безусловно испытывал на себе влияние Микеланджело и не скрывал этого. Он говорил, что «особенно благодарен Богу за то, что Он дал ему счастье родиться при жизни такого великого мастера».

Следует рассказать еще об одной миссии, возложенной папой Львом X на Рафаэля. Для постройки собора Святого Петра требовалось огромное количество материала, источником которого являлись в наибольшей мере развалины и катакомбы Рима . Добывался камень бессистемно, никто не заботился о сохранении античных сооружений, и памяти великого города наносился порой непоправимый ущерб. Рафаэлю, которого возмущало это постепенное уничтожение древнего Рима , было поручено наблюдение за работами по добыче камня, и он с жаром взялся за дело. Рафаэль задумал восстановить античный город в его исконной форме, величии и порядке. Были уничтожены несколько холмов, образовавшихся из щебня, раскопаны фундаменты зданий... То, что предстало перед восхищенным народом и папой Львом X, заставило их поверить, что сам Господь послал Рафаэля для спасения древнего Рима . Папский секретарь писал о гениальном мастере: «Теперь он занят великим делом, которое будет изумлять будущий мир»; ему также принадлежит экспромт, который передавался в то время по всему городу: Столько героев долгое время созидали Рим , И сколько варваров разрушали его в течение многих веков!

Да, можно купить только наземное обслуживание в туре без перелета. Обратитесь в один из наших офисов пожалуйста.
14.09.17 Сергей АЙС НАТ