Каковы особенности древнегреческое скульптуры?

Сталкиваясь с греческим искусством, многие выдающиеся умы выражали неподдельное восхищение. Один из известнейших исследователей искусства древней Греции, Иоганн Винкельман (1717-1768) говорит о греческой скульптуре: «Знатоки и подражатели греческих произведений находят в их мастерских творениях не только прекраснейшую натуру, но и больше, чем натуру, а именно некую идеальную ее красоту, которая… создается из образов, набросанных разумом». Все, кто пишет о греческом искусстве, отмечают в нем удивительное сочетание наивной непосредственности и глубины, реальности и вымысла. В нем, особенно в скульптуре, воплощен идеал человека. В чем же особенность идеала? Чем он очаровывал людей настолько, что состарившийся Гете рыдал в Лувре перед скульптурой Афродиты?

Греки всегда полагали, что только в прекрасном теле может жить прекрасная душа. Поэтому гармония тела, внешнее совершенство - непременное условие и основа идеального человека. Греческий идеал определяется термином калокагатия (греч. kalos - прекрасный + agathos добрый). Так как калокагатия включает в себя совершенство и телесного сложения, и духовно нравственного склада, то одновременно с красотой и силой идеал несет в себе справедливость, целомудрие, мужество и разумность. Именно это делает греческих богов, изваянных древними скульпторами, неповторимо прекрасными.

http://historic.ru/lostcivil/greece/gallery/stat_001.shtmlЛучшие памятники древнегреческой скульптуры были созданы в V в. до н.э. Но до нас дошли и более ранние произведения. Cтатуи VII-VI вв. до н.э.симметричны: одна половина тела - зеркальное отражение другой. Скованные позы, вытянутые руки прижаты к мускулистому телу. Ни малейшего наклона или поворота головы, но губы раскрыты в улыбке. Улыбка словно изнутри освещает скульптуру выражением радости жизни.

Позднее, в период классицизма статуи приобретают большее разнообразие форм.

Были попытки алгебраически осмыслить гармонию. Первое научное исследование того, что есть гармония, предпринял Пифагор. Школа, которую он основал, рассматривала вопросы философско-математического характера, применяя математические выкладки ко всем сторонам действительности. Не составили исключения ни музыкальная гармония, ни гармония человеческого тела или архитектурного сооружения. Пифагорейская школа считала число основой и началом мира.

Какое отношение имеет теория чисел к греческому искусству? Оказывается, самое прямое, поскольку гармония сфер Вселенной и гармония всего мира выражается одними и теми же отношениями чисел, главные из которых - отношения 2/1, 3/2 и 4/3 (в музыке это соответственно октава, квинта и кварта). Кроме того, гармония предполагает возможность вычисления любого соотнесения частей каждого предмета, в том числе и скульптуры, по следующей пропорции: а / b = b / с, где а - любая меньшая часть объекта, b - любая большая часть, с - целое. На этом основании великий греческий скульптор Поликлет (V век до н.э.) создал скульптуру юноши-копьеносца (V в. до н.э.), которую называют «Дорифор» («Копьеносец») или «Канон» - по названию сочинения скульптора, где он, рассуждая о теории искусства, рассматривает законы изображения совершенного человека. Считается, что рассуждения художника можно отнести и к его скульптуре.

Статуи Поликлета полны напряженной жизни. Поликлет любил изображать атлетов в состоянии покоя. Взять того же «Копьеносца». Этот могучего сложения человек полон чувства собственного достоинства. Он стоит неподвижно перед зрителем. Но это не статичный покой древнеегипетских статуй. Как человек, умело и легко владеющий своим телом, копьеносец чуть согнул одну ногу и переместил тяжесть корпуса на другую. Кажется, что пройдет мгновение и он сделает шаг вперед, повернет голову, гордый своей красотой и силой. Перед нами человек сильный, красивый, свободный от страха, гордый, сдержанный - воплощение греческих идеалов.

В отличие от своего современника Поликлета, Мирон любил изображать свои статуи в движении. Вот, например, статуя «Дискобол» (V в. до н.э.; Музей Терм. Рим). Ее автор, великий скульптор Мирон, изобразил прекрасного юношу в момент, когда тот замахнулся тяжелым диском. Его захваченное движением тело изогнуто и напряжено, как готовая развернуться пружина. Под упругой кожей отведенной назад руки взбугрились тренированные мускулы. Пальцы ног, образуя надежную опору, глубоко вдавились в песок. Статуи Мирона и Поликлета были отлиты из бронзы, но до нас дошли лишь мраморные копии с древнегреческих оригиналов, сделанные римлянами.

Величайшим ваятелем своего времени греки считали Фидия, украсившего мраморной скульптурой Парфенон. В его скульптурах особенно отражено, что боги в Греции есть не что иное, как образы идеального человека. Лучше всего сохранилась мраморная лента рельефа фриза длиной 160 м. На ней изображено шествие, направляющееся в храм богини Афины - Парфенон.

Скульптура Парфенона сильно пострадала. А «Афина Парфенос» погибла еще в глубокой древности. Она стояла внутри храма и была несказанно прекрасна. Голова богини с невысоким гладким лбом и округлым подбородком, шея и руки были сделаны из слоновой кости, а волосы, одежда, щит и шлем были вычеканены из листов золота. Богиня в образе прекрасной женщины - олицетворение Афин.

http://historic.ru/lostcivil/greece/gallery/stat_007.shtmlМножество историй связаны с этой скульптурой. Сотворенный шедевр был настолько велик и знаменит, что у его автора сразу появилась множество завистников. Они пытались всячески насулить скульптору и искали разные причины по которым можно было бы обвинить его в чем-нибудь. Говорят, что Фидия обвиняли в том, что тот якобы утаил часть золота, данного как матерьял для убранства богини. В доказательство невиновности Фидий снял со скульптуры все золотые предметы и взвесил их. Вес в точности совпал с весом данного на скульптуру золота. Тогда Фидия обвинили в безбожии. Причиной этому послужил щит Афины. На нем был изображен сюжет битвы греков с амазонками. Среди греков Фидий изобразил себя и любимого им Перикла. Изображение Фидия на щите и стала причиной конфликта. Несмотря на все достежения Фидия, общественность Греции смогли настроить протев него. Жизнь великого скульптора заканчилась жестокой казнью.

Достижения Фидия в Парфеноне были не исчерпующими для его творчества. Скульптор сотворил множество других произведений, лучшими из котрых стали колоссальная бронзовая фигура Афины Промахос, воздвигнутая на Акрополе примерно в 460 г. до н.э., и не менее огромная фигуры из слоновой кости и золота Зевса для храма в Олимпии. К сожалению, более не существует подлинных работ, и мы не можем увидеть своими глазами великолепные произведения искусства Древней Греции. Остались лишь их описания и копии. Во многом тому причиной послужило фанатичное уничтожение статуй верующими христианами.

Так можно описать статую Зевса для храма в Олимпии: Огромный четырнадцатиметровый бог восседал на золотом троне, и казалось, встань он, распрями широкие плечи - тесно станет ему в обширном зале и низок окажется потолок. Голову Зевса украшал венок из ветвей маслины - знак миролюбия грозного бога. Лицо, плечи, руки, грудь были из слоновой кости, а плащ - перекинут через левое плечо. Венец, борода Зевса были из сверкающего золота.

Фидий наделил Зевса человеческим благородством. Его благообразное лицо, обрамленное курчавой бородой и вьющимися волосами, было не только строгим, но и добрым, поза торжественна, величава и спокойна. Сочетание телесной красоты и доброты души подчеркивало его божественную идеальность. Статуя производила такое впечатление, что, по словам древнего автора, люди, удрученные горем, искали утешения в созерцании творения Фидия. Молва объявила статую Зевса одним из «семи чудес света».

Работы всех трех скульпторов были схожи тем, что все они изображали гармонию красивого тела и заключенной в ней доброй души. Это было основным направлением того времени.

Конечно, нормы и установки в греческом искусстве менялись на протяжении истории. Искусство архаики было более прямолинейным, в нем отсутствовала полная глубокого смысла недоговоренность, которая восторгает человечество в периоде греческой классики. В эпоху эллинизма, когда человек потерял ощущение устойчивости мира, искусство утратило свои старые идеалы. В нем стали отражаться чувства неуверенности в будущем, царящие в общественных течениях того времени.

Одно объединяло все периоды развития греческого общества и искусства: это, как пишет М. Алпатов, особое пристрастие к пластике, к пространственным искусствам. Подобное пристрастие объяснимо: огромные запасы разнообразного по расцветке, благородного и идеального материала - мрамора - представляли широкие возможности для его реализации. Хотя большинство греческих скульптур выполнялось в бронзе, так как мрамор был хрупок, однако именно фактура мрамора с его цветом и декоративностью позволяла с наибольшей выразительностью воспроизводить красоту человеческого тела. Поэтому чаще всего «человеческое тело, его строение и податливость, его стройность и гибкость привлекали к себе внимание греков, они охотно изображали человеческое тело и обнаженным, и в легкой прозрачной одежде».

Поскольку мне тут придется в скором времени прочесть курс лекций по всеобщей истории искусств, я готовлюсь и повторяю материал. Решил выложить кое-что из него и свои размышления об этом предмете. Это еще не сама лекция, а мысли на узкую конкретную тему.

Трудно переоценить место скульптуры в искусстве Античности. Однако два ее важнейших национальных проявления - скульптура Древней Греции и скульптура Древнего Рима - представляют собой два совершенно разных, во многом противоположных явления. В чем же они состоят?

Скульптура Греции поистине знаменита и на самом деле должна быть поставлена на первое место по сравнению с греческой архитектурой. Дело в том, что саму архитектуру греки воспринимали как скульптуру. Любое здание для грека - это прежде всего пластический объем, монумент, совершенный в своих формах, но предназначенный прежде всего для созерцания со вне. Но об архитектуре я напишу отдельно.

Имена греческих скульпторов хорошо известны и на слуху у каждого, учившегося в школе. Столь же знамениты и прославлены были греческие станковые живописцы, однако, как это иногда бывает в истории искусства, от их работ не сохранилось ровным счетом ничего, ну может быть, предположительные копии на стенах домов богатых римлян (какие можно увидеть в Помпеях). Впрочем, как мы увидим, не так хорошо обстоит дело и с оригиналами греческих статуй, так как большинство их известны опять-таки по римским, лишенным греческого совершенства репликам.

Однако, при столь внимательном отношении к именам творцов искусства греки оставались совершенно индифферентны к индивидуальности, к тому, что сейчас назвали бы личностью человека. Сделав человека центром своего искусства, греки видели в нем возвышенный идеал, проявление совершенства, гармоническое сочетание души и тела, но отнюдь не интересовались частными особенностями изображаемого лица. Греки не знали портрета в нашем понимании этого слова (за исключением может быть позднейшего, эллинистического периода). Воздвигая статуи человекообразных богов, героев, прославившихся граждан своего полиса, они создавали обобщенный, типичный образ, воплощающий в себе положительные качества души, героизм, добродетель и красоту.

Мировоззрение греков начало меняться лишь с окончанием эпохи классики в 4 веке до н.э. Конец прежнему миру положил Александр Македонский, своей беспрецедентной деятельностью родивший тот культурный феномен смешения греческого и ближневосточного, который был назван эллинизмом. Но только через 2 с лишним столетия на арену истории искусств вышел уже могущественный к тому времени Рим.

Как это ни странно, но добрую половину (если не большую часть) своей истории Рим почти никак не проявлял себя с художественной точки зрения. Так прошел почти весь республиканский период, оставшийся в памяти народа как время римской доблести и чистоты нравов. Но вот, наконец, в 1 веке до н.э. возник римский скульптурный портрет. Трудно сказать, насколько велика была в этом роль греков, трудившихся теперь для покоривших их римлян. Надо полагать, без них Рим вряд ли бы создал столь блистательное искусство. Однако, кем бы ни создавались римские произведения искусства, они были именно римскими.

Парадоксальным образом, хотя именно Рим создал может быть самое индивидуализированное искусство портрета в мире, не сохранилось никаких сведений о скульпторах, создававших это искусство. Таким образом, скульптура Рима и прежде всего скульптурный портрет - явление обратное классической скульптуре Греции.

Надо сразу заметить, что в его формировании важную роль сыграла еще одна, на этот раз местная, италийская традиция, а именно искусство этрусков. Что же, посмотрим на памятники и по ним охарактеризуем основные явления в античной скульптуре.

Уже в этой мраморной голове с Кикладских островов 3 тыс. до н. э. заложено то пластическое чувство, которое станет главным достоянием греческого искусства. Этому никак не вредит минимализм деталей, который конечно восполнялся росписью, так как вплоть до высокого ренессанса скульптура никогда не была бесцветной.

Известная (ну так можно сказать почти про любую статую греческого скульптора) группа, изображающая тироноубийц Гармодия и Аристогитона, изваянных Критием и Несиотом. Не отвлекаясь на формирование греческого искусства в эпоху архаики, мы обратились уже к произведению классики 5 в. до н.э. Представляя двух героев, борцов за демократические идеалы Афин, скульпторы изображают две условные фигуры, лишь в общих чертах подобные самим прототипам. Главная их задача соединить в единое целое два прекрасных, идеальных тела, захваченных одним героическим порывом. Телесное совершенство здесь подразумевает внутреннюю правоту и достоинство изображенных.

В одних своих работах греки стремились передать гармонию, заключенную в покое, в статике. Поликлет достигал ее как благодаря пропорционированию фигуры, так и за счет динамики, заключенной в постановке фигуры. Т. н. хиазм или иначе контрапост - противоположно направленное движение разных частей фигуры - одно из завоеваний этого времени, навсегда вошедшее в плоть европейского искусства. Оригиналы Поликлета утрачены. Вопреки сложившейся у современного зрителя привычке, греки часто работали, отливая статуи в бронзе, что позволяло избежать мешающих восприятию подставок, возникших в мраморных повторениях римского времени. (Справа бронзовая копия-реконструкция из ГМИИ им. Пушкина, насколько она лучше!)

Мирон прославился передачей очень сложных состояний, в которых покой вот вот должен смениться активным движением.Опять привожу два варианта его дискобола (оба поздние): мраморный и бронзовый.

"Рублев" Древней Греции, великий создатель скульптуры Афинского Акрополя Фидий напротив достигал красоты и уравновешенности даже в самых напряженных и подвижных композициях. Здесь мы имеем возможность видеть подлинники 5 в. до н.э., выполненные на этот раз из мрамора как связанные с плотью архитектуры Парфенона. Даже в разбитом виде, без рук, ног и голов, в виде жалких руин греческая классика поразительно совершенна. Такого не могло больше никакое искусство.

А что же портрет? Вот известное изображение великого Перикла. Но что мы можем узнать из него о этом человеке? Только то, что он был великим гражданином своего полиса, выдающимся деятелем и доблестным полководцем. И более ничего.

Иначе решен "портрет" Платона, представленного уже не молодым мудрецом с пышной бородой и интеллектуальным, умственно напряженным лицом. Утрата росписи глаз, конечно, в значительной степени лишает образ выражения.

Уже иначе воспринимался образ в конце 4 столетия. Сохранившиеся реплики портретов Александра Македонского, созданных Лисиппом, показывают нам уже не столь цельную, уверенную и однозначную в себе личность, как мы видели только что в классический период Греции.

Теперь, наконец, настало время перейти к Риму, точнее пока что к этрускам, создававшим погребальные изображения усопших. Канопы - урны для праха - этруски делали с изображениями голов и рук, уподобляя, пока что условно, усопшему человеку. Терракотовая канопа 6 века до н. э.

Более сложными произведениями были вот такие надгробия с фигурами возлежащих как бы на пиру людей, часто семейных пар.

Очаровательные улыбки, похожие на улыбки архаических греческих статуй... Но здесь важно другое - это конкретные, погребенные здесь люди.

Этрусские традиции заложили своего рода фундамент для собственно римского портрета. Возникнув только в 1 веке до н.э., римский портрет резко отличался от всякого другого. Первостепенным в нем стала достоверность в передаче жизненной правды, не приукрашенного облика человека, изображение его таким, какой он есть. И в этом римляне несомненно видели собственное достоинство. К римскому портрету конца республиканской эпохи как нельзя лучше приложим термин веризм. Он даже пугает своей отталкивающей откровенностью, не останавливающейся ни перед какими чертами уродства и старости.

Для иллюстрации следующего тезиса приведу энциклопедический пример - изображения римлянина в тоге с портретами предков. В этом обязательном римском обычае было не только человеческое желание сохранить память о ушедших поколениях, но и религиозная составляющая, столь типичная для такой домашней по своему характеру религии, как римская.

Вслед за этрусками римляне изображали на надгробиях супружеские пары. Вообще, пластика, скульптура была для жителя Рима столь же естественна, как для нас фотография.

Но вот настало новое время. На рубеже тысячелетий (и эр)) Рим сделался империей. Начиная с этого времени наша галерея будет представлена прежде всего портретами императоров. Однако, это официальное искусство не только сохранило, но и приумножило тот необыкновенный реализм, который изначально возник в римском портрете. Впрочем, сначала в эпоху Августа (27 г. до н. э. - 14 г. н. э.) римское искусство пережило первое серьезное взаимодействие с идеальной красотой, присущей всему греческому. Но и здесь, став совершенным по форму, оно сохранило верность портретным чертам императора. Допуская условность в совершенном, идеально правильном и здоровом теле, облаченном в доспехи и пребывающем в церемониальной позе, римское искусство помещает на это тело настоящую голову Августа, такого, каким он был.

От Греции к римлянам перешло потрясающее владение обработкой камня, но здесь это искусство не могло заслонить собой того, что было внутренне присуще римскому.

Еще один вариант официального изображения Августа как Великого Понтифика в наброшенном на голову покрывале.

И вот, уже в портрете Веспасиана (69 - 79 гг. н. э.) мы видим опять неприкрытый веризм. Этот образ с детства запал в мою память, завораживая личными чертами изображенного императора. Умное, благородное и одновременно хитрое и расчетливое лицо! (Как ему идет отбитый нос))

Вместе с тем, осваиваются и новые техники обработки мрамора. Применение бурава позволяет создавать более сложную игру объемов, света и тени, вводить контраст различных фактур: шершавых волос, отполированной кожи. Для примера женский образ, а то до сих пор у нас были представлены одни лишь мужчины.

Троян (98 - 117 гг.)

Антонин Пий был вторым после Адриана императором, отпустившим бороду на греческий манер. И это не только некая игра. Вместе с "греческим" обликом в образе человека появляется и нечто философское. Взгляд уходит в сторону, вверх, лишая человека состояния уравновешенности и довольства телесным. (Теперь зрачки глаз намечаются уже самим скульптором, что сохраняет взгляд даже при утрате былой тонировки.)

Со всей очевидностью это проступает в портретах философа на трона - Марка Аврелия (161 - 180 гг.).

Этот интересный осколок привлекает меня вот чем. Попробуйте сделать прорись черт лица, и получится икона! Вглядитесь в формы глаза, века, зрачка и сравните их с византийскими иконами.

Но не одним лишь доблестным и праведным быть темой римского портрета! Гелиогабал (правильно - Элагабал), приверженец восточного культа солнца, удивлял римлян вполне противными им обычаями и сам не блистал чистотой жизни. Но и это со всей очевидностью являет нам его портрет.

Наконец, золотой век Рима остается далеко позади. На престол один за другим возводятся так называемые солдатские императоры. Выходцы из каких угодно сословий, стран и народов могут в одночасье стать владыками Рима, будучи провозглашены своими солдатами. Портрет не самого плохого из них Филиппа Аравитянина (244 - 249 гг.). И снова какая-то тоска или тревога во взгляде...

Ну это смешно: Требониан Галл (251 - 253 гг.).

Здесь пора уже отметить то, что время от времени проступало в римском портрете и раньше. Теперь форма начинает неумолимо схематизироваться, пластическая лепка уступает место условной графичности. Сама плоть постепенно уходит, уступая место чисто духовному, исключительно внутреннему образу. Император Проб (276 - 282 гг.).

И вот, мы приблизились к концу 3 - началу 4 столетий. Диоклетиан создает новую систему управления Империей - тетрархию. Два августа и два цезаря правят четырьмя ее частями. Старый город Рим, давно уже потерявший роль столицы, теперь не важен. В Венеции сохранилась забавная, вывезенная из Константинополя группа из четырех почти одинаковых фигур, отождествляемых с тетрархами. Ее часто показывают как конец римского портрета. Но это не так! На самом деле это, скажем так, особый эксперимент, авангард того времени. К тому же, если верить некоторым моим учителям, это египетское произведение, что в частности видно по применению твердого порфира. Столичная же римская школа оставалась конечно иной и не умирала еще по крайней мере столетие.

В подтверждение сказанному еще один образ из Египта - император Максимин Даза (305 - 313 гг.). Полная стилизация, схематизация и абстракция, если угодно.

А вот, что продолжало твориться в Риме. Полновластным правителем Империи становится Константин Великий (306 - 337 гг.). В его колоссальном по масштабу портрете (это, собственно, и есть голова Колосса - гигантской статуи, установленной в римской базилике Константина-Максенция) полноценно присутствует и идеальная, совершенная проработка формы и окончательно сформировавшийся новый, отрешенный от всего временного образ. В огромных, прекрасных, смотрящих куда-то мимо нас глазах, волевых бровях, твердом носе, сомкнутых губах теперь является не только образ земного правителя, но и что-то уже перешедшее за границы той рефлексии, снедавшей Марка Аврелия и других его современников, тяготившихся этой телеcной оболочкой, в которой оказалась заключена душа.

Если знаменитый Миланский эдикт 313 года лишь прекращал гонения на христианство, позволяя христианам легально существовать в Империи (сам Константин крестился лишь при смерти), то к концу 4 столетия после Р. Х. христианство стало уже господствующим. И в это время христианской Античности еще продолжали создаваться скульптурные портреты. Портрет императора Аркадия (383-408 гг.) поражает своей красотой, но и неземной отвлеченностью.

Вот куда пришел в конце концов римский портрет, вот какой образ он родил, сам по себе став уже христианским искусством. Скульптура теперь уступает место живописи. Но великое наследие прежней культуры не отвергается, продолжая жить, служа новым целям и задачам. Христианский образ (икона) с одной стороны, родился из слов: "Бога не видел никто никогда; Единородный Сын, сущий в недре Отчем, Он явил" (Ин. 1: 18). С другой же стороны, он впитал в себя весь опыт предшествующего ему искусства, как мы увидели, давно уже мучительно искавшего истину, и наконец Ее нашедшего.

Но это уже совсем другая история не для этого рассказа...

Любопытную гипотезу относительно античного греческого чуда нашла в блоге скульптора Найджела Констама (Nigel Konstam): он считает, что античные статуи являлись слепками с живых людей, поскольку иначе невозможно объяснить столь быстрый переход от изготовления статичных статуй египетского типа к совершенному реалистическому искусству передачи движения, который происходит в промежутке от 500 до 450 года до н.э.

Свою гипотезу Найджел подтверждает исследованием ступней античных статуй, сравнивая их с гипсовыми отпечатками и восковыми отливками, сделанными со стоящих в заданной позе современных натурщиков. Деформация материала на ступнях подтверждает его гипотезу, что греки не делали статуи, как раньше, а стали использовать вместо них слепки с живых людей.
Впервые об этой гипотезе Констама узнала из фильма "Афины. Правда о демократии", поискала материал в интернете и вот что нашла.

Найджел снял видео с объяснением своей гипотезы относительно античных слепков и его можно посмотреть здесь http://youtu.be/7fe6PL7yTck на английском языке.
Но давайте сперва посмотрим на сами статуи.

Античная статуя куроса архаичной эпохи примерно 530 год до н.э. кажется скованной и напряженной, тогда еще не был известен контрапост - свободное положение фигуры, когда равновесие покоя создается из противоположных друг другу движений.


Курос, фигура юноши, начала V века до н.э. выглядит чуть более динамично.

Воины из Риаче, статуи второй четверти V века до н.э. 197 см высотой - редчайшая находка оригинальной греческой скульптуры классического периода, большая часть которой известна нам по римским копиям. В 1972 году занимавшийся сноркелингом римский инженер Стефано Мариоттини нашел их на дне моря у побережья Италии.

Эти бронзовые фигуры отлиты не целиком, их детали скреплялись как конструктор, что позволяет узнать гораздо больше о технике создания скульптур того времени. Их зрачки сделаны из золотой пасты, ресницы и зубы из серебра, губы и соски из меди, а глаза с использованием техники инкрустации костью и стеклом.
То есть в принципе, несколько раз измененные, как выяснили ученые, некоторые детали статуй слепками с живых моделей, пусть и увеличенными и усовершенствованными, вполне могли быть.

Именно в процессе исследований деформированных силой тяжести ступней Воинов из Риаче скульптору Констаму в голову пришла эта идея слепков, которыми, возможно, пользовались античные скульпторы.

При просмотре фильма "Афины. Правда о демократии" меня заинтересовало, как чувствовал себя достаточно пушистый натурщик, с которого снимали гипсовую форму, ведь многие, кому приходилось носить гипс жаловались, что его больно снимать, потому что приходится отдирать волосы.

С одной стороны, имеются источники, из которых известно, что в Древней Греции не только женщины, но и мужчины-атлеты удаляли волосы на теле.
С другой, именно волосатостью они отличались от женщин. Недаром в комедии Аристофана "Женщины в народном собрании" одна из героинь, решивших отобрать у мужчин власть говорит:
- А я так первым делом бритву бросила
Подальше, чтоб шершавой и кудлатой стать,
Не походить ни чуточки на женщину.

Получается, что если волосы мужчины и удаляли, то скорее всего те, кто профессионально занимался спортом, а именно такие натурщики и нужны были скульпторам.

Почитала, тем не менее, о гипсе и выяснила, что еще в древности существовали способы борьбы с этим явлением: когда делали маски и слепки, тело натурщиков намазывали специальными масляными мазями, благодаря которым гипс снимали безболезненно, даже если на теле были волосы. То есть техника слепков не только с мертвого, но и с живого человека в древности действительно была хорошо известна еще в Египте, однако, именно передача движения и копирование человека не считалось там красивым.

Но для эллинов прекрасное человеческое тело, совершенное в своей наготе, представлялось величайшей ценностью и объектом поклонения. Возможно поэтому в использовании слепков с такого тела для изготовления произведений искусства они не видели ничего предосудительного.


Фрина перед ареопагом. Ж.Л.Жером. 1861, Гамбург, Германия.
С другой стороны, вполне могли обвинить скульптора в нечестии и оскорблении богов потому, что для статуи богини в качестве натурщицы он использовал гетеру. В случае с Праксителем обвинили в безбожии Фрину. Но разве ему бы согласилась позировать не-гетера?
Оправдал ее ареопаг в 340 г. до н.э., впрочем, после того, как во время речи в ее защиту оратор Гиперид предъявил оригинал - обнаженную Фрину, сдернув с нее хитон и риторически вопросив, как может такая красота быть виновна. Ведь греки считали, что прекрасное тело обладает не менее прекрасной душой.
Возможно, что и до него Праксителя богинь изображали обнаженными, а нечестием судьи могли посчитать то, что слишком уж богиня похожа на Фрину, как бы один в один, а обвинение самой гетеры в безбожии было только предлогом? Может, они знали или догадывались о возможностях работы с гипсовыми слепками с живого человека? И тогда мог возникнуть ненужный вопрос: кому они поклоняются в храме - Фрине или богине.

С помощью работы с фотографией современный компьютерный художник "оживил" Фрину, то есть, конечно, статую Афродиты Книдской, а конкретнее - ее копию, поскольку оригинал до нас не дошел.
А, как нам известно, статуи древние греки раскрашивали, так что вполне может быть, что гетера могла бы так выглядеть, если бы кожа у нее была чуть желтоватой, за что ее по некоторым источникам и прозвали Фриной.
Хотя в данном случае наш современник соревнуется с Никием, художником, конечно, а не полководцем, на которого ведет неверная ссылка в Википедии. Ведь на вопрос, какие свои произведения Пракситель считает самыми лучшими, он по легенде отвечал, что те, которые раскрашены Никием.
Кстати, эта фраза оставалась долгие века загадочной для тех, кто не знал или не верил в то, что законченные греческие скульптуры не были белыми.
Но мне кажется, что сама статуя Афродиты вряд ли была раскрашена именно так, потому что ученые утверждают, что греки их раскрашивали достаточно пестро.

Скорее, примерно так, как раскрашен Аполлон с выставки Пестрые боги "Bunte Götter".

И представьте, как странно чувствовал себя натурщик, когда видел, как ему в образе бога поклоняются люди.
Или не ему, а его копии, которую художник пропорционально увеличил, ярко раскрасил и исправил мелкие физические несоответствия и недостатки в соответствии с каноном Поликлета? Это твое тело, но больше и лучше. Или уже не твое? Мог ли он верить, что сделанная с него статуя - это статуя бога?

В одной из статей прочитала также об огромном количестве гипсовых заготовок в античной греческой мастерской для копий, приготовленных для отправки в Рим, которые обнаружили археологи. Может, это были в том числе и слепки с людей, а не только со статуй?

Не стану настаивать на заинтересовавшей меня гипотезе Констама: конечно, специалистам виднее, но то, что слепками с живых людей и частей их тела античные скульпторы, как и современные, пользовались сомнения не вызывает. Неужели можно подумать, что древние греки были такие глупые, что, зная о том, что такое гипс, не догадались бы?
Но как вы думаете, делать копии живых людей - это искусство или обман?

Скульптура Древней Греции занимала важное место в древнегреческом искусстве и была высочайшим достижением в культуре античного мира.

Древнегреческая скульптура во всех её проявлениях оставалась всегда глубоко антропоцентрической, выражая религиозность и духовный мир человека или священный акт, который старался запечатлеть и передать скульптор.

Большинство скульптур изготавливались для приношения в святилища или как погребальные памятники. Особенность греческого искусства заключалась в том, что мастер, создавая произведения, старался передать красоту и совершенство человеческого тела.

В формах первых статуй делается попытка балансировки божества и человека, в выражении их эмоций. Наивысший расцвет скульптура Древней Греции достигла в V веке до н. э, тогда как зарождение скульптуры Древней Греции, можно отнести к XII-VIII векам до н. э.

Первоначально, греческие мастера использовали в работе мягкие материалы - дерево и пористый известняк, позже мрамор. Литье из бронзы первыми применили мастера острова Самос.

Статуэтки гомеровского периода, изображали богов или героев, в работе мастеров только намечается интерес к пластике тела.

В архаический период скульптура Древней Греции, приобретает архаическую улыбку , превращая лица скульптур всё больше принимать образ человека, тело приобретает гармоническое равновесие форм. Мужчины изображались нагими, тогда как женщина была в одежде.

В это время в скульптурном искусстве Древней Греции, были широко распространены куросы - молодые юноши, которых в основном изготовляли для мемориальных ритуалов. Мастера изображали куроса сдержанным, с хорошей осанкой, улыбкой, со сжатыми кулаками, прическа куроса напоминала парик. Одной из самых знаменитых скульптур куроса, является «Курос из Тенеи» (κούρος της Τενέας). Скульптура была найдена недалеко от Коринфа, в Тенеи, в храме Аполлона. Сейчас она хранится в музее Мюнхена.

Молодых девушек или кор, греки изображали в традиционных одеждах, в хитоне или пеплосе. Коры (κόρη) - специфический тип статуи с женскими формами архаического времени, а именно со второй половины 7-го века до н.э. Богатая прическа, модные украшения и цветные орнаменты одежды - так изображали их скульпторы Древней Греции.

Классическая эпоха, так мы называем период, который начинается в 480 году до н.э. и заканчивается в 323 году до н.э., то есть от окончания греко-персидских войн до смерти Александра Македонского . В это период произошли важные социальные изменения и параллельные новации в скульптуре Древней Греции . Древние греки фокусируют свое внимание на передаче духа и страсти. Художники изучают язык тела, чтобы открыть свои сокровенные мысли, показать телодвижение: размещение конечностей, головы и груди.

Первая статуя, которая изображает по существу конец одной эпохи и начала другой, это «мальчик Крития» (Κριτίου παίς), хранится в музее Акрополя . Это статуя обнаженного подростка высотой 1,67 м - один из самых красивых и совершенных образцов раннего классического искусства. Скульптура сочетает в себе движение, пластичность, появляется серьезность в выражении лица.

К периоду ранней классики, относится знаменитая скульптура возничего (управляющего колесницей), хранится в музее Дельф . Статуя юноши выполнена из бронзы, имеет высоту 1,8 м, одетый на нём хитон с рукавами, показывает мускулистую руку юноши, в руке он держит обрывки поводьев. Хорошо передаётся драпировка складок на одежде, которые отвечают движениям.

В 450-420 гг. до н. э. классического периода, скульптура Древней Греции видоизменяется. Теперь скульптуры имеют больше мягкости, пластичности и зрелости. Особенности классического искусства были представлены Фидием в скульптурах Парфенона.

В это время, появляются другие достойные скульпторы: Агоракритос, Алкамен, Колот, которые были специалистами в изготовлении статуй из золота и слоновой кости. Каллимах, был одним из изобретателей коринфского ордера, Поликлет, изображавший атлетов, первый написал теоретический текст о скульптуре и другие.

В период поздней классики, в скульптуре Древней Греции появляются тенденции в изучении человеческой формы в трехмерном пространстве, появляется больше чувственной красоты и драматизма.

Великими скульпторами этого времени являются: Кефисодот («Эйрена с младенцем на руках»), Πρакситель, создавший Марафонского юношу и Афродиту Книдскую, Ефранор, Силанион, Леохар, Скопас и Лисипп, последние скульпторы позднего классического периода, которые открыли путь в эпоху эллинистического искусства.

Эллинистическая эпоха в скульптуре Древней Греции, отразилась в более дифференцированной трактовке пластических форм, усложнении ракурсов и мельчайших деталей. Развивается монументальная пластика, появляются огромные рельефные композиции, многофигурные группы, рельефы, которые являются неотъемлемой частью выражения скульптурного искусства, мелкая пластика усложняется жизненной характерностью образов.

Самые известные работы этого времени: «Ника Самофракийская» Пифокрита, высотой 3.28 м, «Венера Милосская», высота 2.02 м, выполненная скульптором Александром из Антиохии хранится в Лувре, «Лаокоон и его сыновья» родосских скульпторов Агесандра Родосского, Полидора и Афинодора, находится в Ватикане.

В Древней Греции люди чрезвычайно ценили красоту. Особенно греки предпочитали скульптуру. Однако очень многие шедевры великих скульпторов погибли и не дошли до нашего времени. Например, Дискобол скульптора Мирона, Дорифор Поликлета, «Афродита Книдская» Праксителя, Лаокоон скульптора Агесандра. Все эти скульптуры погибли, и тем не менее... мы их прекрасно знаем. Как же могли сохраниться исчезнувшие скульптуры? Только благодаря многочисленным копиям, которые находились в домах богатых древних коллекционеров и украшали внутренние дворики, галереи и залы греков и римлян.

Дорифор - «Копьеносец» на многие столетия стал образцом мужской красоты. А «Афродита Книдская» - одна из самых известных обнаженных женских скульптур Древней Греции - стала образцом красоты женской . Чтобы полюбоваться Афродитой, древние греки приезжали из других городов и, увидев, как она прекрасна, заказывали безвестным скульпторам сделать точно такую же копию, чтобы поставить Афродиту на городской площади или же во внутреннем дворике своего богатого жилища.

Дискобол - утраченная бронзовая статуя атлета, который собирается бросить диск , создан был Мироном около V века до н. э. - это первая в искусстве Греции попытка изваять человека в движении, и попытка более чем удачная. Молодой атлет застыл на долю секунды, а в следующее мгновение он начнет раскручиваться, чтобы изо всех сил швырнуть диск.

Лаокоон - скульптурная группа страдающих людей, которая показана в мучительной борьбе. Лаокоон - это был жрец, который предупреждал жителей города Трои - троянцев - о том, что город может быть сражен благодаря деревянному коню. За это бог морей Посейдон послал из моря двух змей, и они задушили Лаокоона и его сыновей. Статуя была найдена относительно недавно, в XVII веке. А великий скульптор эпохи Возрождения Микеланджело говорил, что Лаокоон - это лучшая статуя в мире. Если бы в древности не было любителей и собирателей образцов прекрасной скульптуры, современное человечество не знало бы и этого шедевра.

До нас дошли также многочисленные римские и греческие гермы - головы и бюсты людей на подставках. Искусство создания герм берёт своё начало в создании ритуальных столбов поклонения Гермесу, на верхней подставке которых располагалась лепная голова божества торговли, науки и путешествий. По имени Гермеса и столбы стали называться гермами. Такие столбы располагались на перекрёстках дорог, у въезда в город или посёлок или у входа в дом. Считалось, что такое изображение отпугивает злые силы и недобрых духов.

Примерно с IV века до нашей эры гермами стали называть все портретные изображения людей, они стали частью внутренней обстановки дома, а богатые и знатные греки и римляне обзаводились целыми портретными галереями, создавая своего рода выставки семейных герм. Благодаря этой моде и традиции мы знаем, как выглядели многие древние философы, полководцы, императоры, жившие тысячелетия назад.

Древнегреческая живопись до нас практически не дошла , однако сохранившиеся образцы доказывают, что эллинское искуство достигло высот как реалистической, так и символической живописи. Трагедия засыпанного пеплом Везувия города Помпеи сохранила до нынешнего времени блестящие картины, которыми были покрыты все стены общественных и жилых помещений, в том числе и дома в бедных кварталах. Настенные фрески посвящались самым разным сюжетам, в живописном мастерстве художники античности достигли совершенства, и лишь спустя века этот путь повторили мастера Ренессанса.

Историки свидетельствуют, что в Древней Греции при Афинском храме была пристройка, которую называли Пинакотека, и там хранились древнегреческие картины. Древнее предание гласит, как появилась первая картина. Одна греческая девушка очень не хотела расставаться со своим возлюбленным, который должен был идти на войну. Во время их ночного свидания была полная луна. На белой стене появилась тень юноши. Девушка взяла кусочек угля и обвела его тень. Это свидание оказалось последним. Юноша погиб. Но осталась на стене его тень, и эта теневая картина ещё долго хранилась в одном из храмов города Коринфа.

Многие картины древних греков создавались по принципу заполнения силуэта - сначала на картине рисовался контур фигуры, почти так же, как сказано в легенде, и лишь потом контур начинали раскрашивать. Красок поначалу у древних греков было всего четыре - белая, черная, красная и желтая. Они основывались на цветных минералах и замешивались на яичном желтке или на растопленном воске, разводились водой. Дальние фигуры на картине могли быть больше передних, древние греки использовали как прямую, так и обратную перспективу. Картины писались на досках или на сырой штукатурке.

Изобразительное искусство проникло и в прикладные области. Разрисованные греческие сосуды, амфоры и вазы хранятся во многих музеях мира и доносят до нас красоту повседневности, свойственную античным цивилизациям.

Особым античным искусством, донесшим до нас всю красоту древней живописи, является мозаика - колоссальные картины, выложенные из кусочков цветных камней и, в поздние периоды, стекла, создавались по живописным эскизам и оказались своего рода вечным искусством. Мозаиками украшали полы, стены, фасады домов, они играли и эстетическую, и практическую роль в создании гармоничной и красивой среды обитания.

Эпоха античности стала расцветом искусства создания красоты и гармонии в любых проявлениях. Упадок и забытие античной культуры привели к возврату человечества к философиям негативизма и торжества нелепых предрассудков. Утрата эстетики любования прекрасным, отрицание природной красоты человеческого тела, разрушение античных храмов и произведений искусства стали наиболее заметным следствием крушения античного мира. Понадобились века, чтобы идеалы античности вернулись и начали творчески переосмысливаться художниками Ренессанса, а затем и мастерами Нового времени.